SURI

Festival por la Ley de la Música en el ECuNHI

Ayer sábado 2 de octubre comenzó el ciclo cultural que organiza el colectivo Músicos Convocados en apoyo a la Ley de la Música. El ciclo se extenderá todos los sábados de octubre (excepto el 24) y cada día se dedica a un género en particular.

El ECuNHI es el Espacio Cultural Nuestros Hijos, ese lugar nefasto que fue la ESMA ahora se ha convertido en un Espacio Cultural donde pasan cosas más que interesantes (Avenida del Libertador 8465)

En la primer fecha dedicada al folklore participaron Liliana Herrrero; Peteco Carabajal; Juan Rizomante; Federeico Meyer; Laura Ros; desde Tucumán; Lucho Hoyos entre otros artistas.
Con muchísimo orgullo les contamos que en la fecha dedicada al tango La Hilacha Tango va a compartir escenario con Susana Rinaldi y Leopoldo Federico.

Nota en Página 12: "Los Músicos quieren su Ley"

Nota en la Nación: "Cuando la música va al Congreso Nacional"

Con la idea de apoyar la iniciativa, un conglomerado de colectivos bajo el genérico nombre de Músicos Convocados (FIMA + UDEMUS + UMIred + UMI) + ECuNHI aunaron fuerzas para organizar el ciclo, que continuará el próximos sábado 10, también a las 17 con tres bandas de rock independientes (Shaila, Lash Out y Brancaleone); el 17 de octubre, día soleado si los hay, será el día dedicado al tango, con las actuaciones de Susana Rinaldi, Leopoldo Federico, Matías Foretier, La Hilacha Tango y Rodolfo Velásquez.;

Para el cierre, el sábado 31, subirán al escenario del Espacio Cultural Nuestros Hijos bandas como: El Otro YO; Reversión, Cindi, Bajo Cuerda y Años Luz.

Dice Diego Boris en la nota de Página 12 “Vamos a grabar un DVD con todos los recitales y no descontamos que, en cada fecha, vengan muchos de los músicos que apoyan la ley a tocarse un par de temitas con la guitarra”.
El trazo grueso del proyecto, que comenzó a germinar durante las calurosas jornadas de abril de 2006 en el Bauen, cuando casi mil músicos se reunieron para rechazar el Decreto 520/05 –que reglamentaba la controvertida ley del Ejecutante Musical–, ancla en la necesidad de mejorar las condiciones en las que se desarrolla la actividad. Para ello se pide la creación de un Instituto Nacional de la Música que cuente con una sede general y al menos una sede en cada región cultural del país (nota de Cristian Vitale).

Las entradas son siempre GRATUITAS, pero para los recitales de los sábados 10 y 31 de octubre deberán ser retiradas con anticipación, puesto que la capacidad de la sala es limitada. Las localidades están disponibles desde el 30 de septiembre en la sede de UMI, Pichincha 85, 4º B, de lunes a viernes de 16 a 20 hs.
Espacio Cultural Nuestros Hijos"

Habemus DISCO!! La Hilacha Tango

Finalmente la semana pasada recibimos de la gente de Masterdisc y luego de coordinar la gráfica con la gente de Grafikar, y todo merced al convenio con la UMI, la primera edición de nuestro tan deseado primer disco: "Nada será como antes".
Estamos contentos como perro con dos colas.

Pueden escuchar varios temas y conocer más detalles en Myspace
El disco está a la venta por el momento en ZIVAL`S

Av. Callao 395 - C1022AAD. Buenos Aires Argentina. Tel 54.115128.7500 - Fax 54.115128.7505
y en "Don Disco". Laprida 165 - Local 8 -
Lomas de Zanora. Pcia. de Buenos Aires. Tel. 4244 0918.

Federación Argentina de Músicos

CREACIÓN DE LA PRIMERA FEDERACIÓN ARGENTINA DE MÚSICOS
Para participar y apoyar:
Los días viernes 12 y sábado 13 de septiembre se realizará el Cuarto Encuentro Nacional de Organizaciones de Músicos en Buenos Aires. El Encuentro tendrá como objetivo principal la conformación de una Federación que integre las distintas instituciones de todo el país.

El VIERNES 12 SE CONFORMARÁ DICHA FEDERACIÓN. Será un momento histórico, por lo que CONVOCAMOS A TODOS LOS MÚSICOS A LA CONFERENCIA DE PRENSA que se llevará a cabo ESE DÍA A LAS 20.00 hs. EN EL AUDITORIO DE TEA IMAGEN (Uriburu 353, Capital Federal).

La Federación es una herramienta indispensable para canalizar la participación de los músicos de las distintas provincias en la nueva Ley Nacional de la Música que ingresará próximamente en la Cámara de Diputados.
Participan de este encuentro U.M.I. (Unión de Músicos Independientes), M.I.M.M (Movimiento Independiente de Músicos Mendocinos), M.U.C.C (Músicos Convocados de Córdoba), A.M.I (Asociación de Músicos Independientes de Neuquén), U.D.E.M.U.S (Unión de Músicos), QUBIL Músicos Independientes (Rosario), U.M.I.T.A (Unión de Músicos Independientes Tucumanos Autoconvocados).
Recordemos que el Primer Encuentro Nacional de Músicos se realizó en Córdoba, el segundo en Mendoza y el tercero en Neuquén.

Para mayor información pueden visitar la página de la UMI o escribir a info arroba umiargentina.com

Leer el diario con Internet a mano

¿El diario o Internet? ¿Por qué una cosa o la otra?. Leer el diario
con Internet a mano puede convertirse en una ocupación sumamente entretenida.
Esta tendencia que, por ahora, se manifiesta más a partir de la lectura
de los artículos de los suplementos y revistas dominicales, se extiende
cada vez más a las otras secciones. Por un lado muchas de las notas
"de color" se originan a partir de publicaciones en la web (artículos,
videos) y por otro, el uso tradicional y más arraigado de Internet como
alternativa para ampliar la información,
claro que esta vez a instancias de la lectura del diario.

Un ejemplo son las F Mérides Truchas del excelente Daniel Paz:

El texto dice que, según recientes investigaciones,más de 16 mil hombres resbalaron en la bañadera, entre 1971 y 2001,al intentar tocar con la guitarra
de aire el riff de "Perro Negro" de Led Zeppelin:

DAN DAN
DAN DAN DA
DÁAARAAA ¿Les suena?

Recurrir a Internet es ideal, en estos casos,
para traer a la memoria auditiva de los que dicen
"no la conozco..."; "no se cuál es" el archiconocido
riff de Page. Mientras lo piensan vemos otro caso y
les prometo el enlace más abajo, en el cuerpo del post.

El otro ejemplo es la nota Leyendas: el Alarido WILHELM ,
escrita por Mariano González Achi, y publicada en
el Suplemento RADAR de Página 12,
sobre la historia de un grito.
En este caso el diario re-presenta la historia del fenómeno
que ya has sido narrada y presentada en formato video
en el popular sitio youtube.
Hay distintas versiones subidas por esta suerte de "seguidores" que,
a la manera de antropólogos de los efectos sonoros en el cine,
revisan las películas buscando el efecto Wilheim.
La cuestión es que, este grito característico, ya se escuchó en
más de 150 películas :"incluidas las cuatro Indiana Jones,
las seis Star Wars, las tres Señor de los anillos, King Kong,
Perros de la calle, Los boinas verdes, Batman vuelve,
Meteoro y hasta Kung Fu Panda".
Esta nota del diario se comprende mejor después de ver este
video publicado en YouTube.
Hay otras compilaciones pero esta es una de las más completas:

Aqui va el prometido video "ayudamemoria": Black Dog

Medio Oriente: Paren la guerra.

Esta es la forma en que la artista plástica Hilda Heller se manifiesta en contra de la guerra. La obra se titula: "Paren ¿dónde nos quieren llevar?"
y se trata de un óleo de 80X60. Conocí a Heller como docente en el Instituto Lomas de Zamora, donde enseñó Plástica y, con la Reforma, Culturas y Estéticas Contemporáneas y guardo un excelente recuerdo de su persona y su trabajo profesional.

Hilda está preparando ahora una exposición individual que se inaugura el lunes 18 de Septiembre en la sala de la SOCIEDAD ESTIMULO DE BELLAS ARTES en Córdoba y Maipú. La sala estará abierta al público de 18 a 21 hs. A no perdérselo.

Ver imagen ampliada

Gilberto Gil y la cultura

En estos momentos en que buena parte de los músicos argentinos estamos discutiendo la mejora de las condiciones en que se crea y se hace música en nuestro país, es oportuno recordar algunos de los conceptos que el músico Gilberto Gil pronunció en su discurso de asunción como Ministro de Cultura del Brasil. Es también oportuno recordar(nos) que un cambio de estas características en las que se pretende y compromete la construcción de una nueva realidad o el reconocimiento de una realidad oculta, esto es la materialización y actualización de un conjunto compartido de ideas, de anhelos, de valores. En el siglo XXI esto significa la aceptación de la diversidad cultural. Y esto se hace discutiendo ideas y no meramente personas. Claro que la opinión de gente reconocida por sus prácticas, oficios u artes es fundamental (léase los famosos), Pero también la de los miles que, más acá o más allá de la pantalla de su televisor, son los que pacientemente construyen día a día el tejido de aquello que se ha dado en llamar la cultura de un país, de un continente, un colectivo. Desde nuestra perspectiva esta cultura debe ser leída como “las” culturas. Porque este plural reclama el reconocimiento de la diversidad cultural, y aún así la cultura puede ser entendida como unidad (unidad en la diversidad), como el conjunto de rasgos y características que hacen a la identidad de una nación.
Porque son muchas las discusiones inútiles que se arman sobre cual debe ser el rol del estado frente a la cultura y, en nuestro caso particular, a la música. Discusiones, muchas veces inútiles, que se alejan del fondo de la cuestión, la definición de políticas culturales, para encallar en discursos grandilocuentes e inconducentes, para finalmente hartar(nos) y dejar todo como está. O sea mal.

Pero veamos algunas de las cosas que dijo entonces este músico de 63 años:
Comenzando por el rechazo al término folklore que asocia directamente con la discriminación; continuando con su concepción de la cultura como la usina de símbolos de un pueblo; la labor del ministerio como un ejercicio de antropología aplicada; el rol del Estado: "el Estado no hace cultura sino que crea las condiciones de acceso universal a los bienes simbólicos".

Cultura y Folklore: “Cultura, como dijo alguien, no es apenas “esa especie de ignorancia que distingue a los estudiosos”. Tampoco es lo que se produce únicamente en las áreas canonizadas por los cánones occidentales. Del mismo modo, nadie va a escucharme jamás hablar de folklore. Es que los vínculos entre el concepto erudito del folklore y la discriminación cultural son más que estrechos: son íntimos.
Folklore es todo aquello que por su antigüedad no se encuadra en la cultura de masas y es producido por gente inculta, por “primitivos contemporáneos”, como una especie de enclave simbólico e históricamente atrasado en el mundo actual. No existe el folklore, existe la cultura”.

Cultura y valor de uso:
“La cultura vista como todo aquello que en el uso de cualquier cosa se manifiesta más allá del mero valor de uso. Cultura como eso que en cada objeto que producimos trasciende lo meramente técnico. Cultura como usina de símbolos de un pueblo. Cultura como conjunto de signos de cada comunidad y toda una nación. Cultura como el sentido de nuestros actos, la suma de nuestros gestos, el sentido de nuestras maneras".

Cultura y Estado: ”Con esta perspectiva, las acciones del Ministerio de Cultura deberán ser entendidas como ejercicios de antropología aplicada. El ministerio debe ser como una luz que revela en el pasado y en el presente las cosas y los signos que hicieron y que hacen que (un país sea un país) Brasil sea Brasil."
“El Estado no hace cultura, el Estado crea las condiciones de acceso universal a los bienes simbólicos, las condiciones de creación y producción de bienes culturales, sean artefactos o mentefactos”.

El acceso a la cultura como un derecho básico. “Es porque el acceso a la cultura es un derecho básico de la ciudadanía, como el derecho a la educación, la salud, el medio ambiente saludable. Y es porque al invertir en las condiciones de creación y producción estaremos tomando una iniciativa de consecuencias imprevisibles y ciertamente brillantes y profundas, ya que la creatividad cultural brasileña, de la colonia hasta hoy, siempre fue mucho más allá de lo que permitían las condiciones educacionales, sociales y económicas de nuestra existencia." "En rigor, el Estado nunca estuvo a la altura del hacer de nuestro pueblo. Por lo tanto, es preciso ser humildes y al mismo tiempo no dejar de actuar como Estado. El Estado no debe optar por la omisión, evadir responsabilidades, apostando todas las fichas a los mecanismos fiscales, entregando así la política cultural a los vientos, los sabores y los caprichos del dios-mercado. Claro que las leyes y mecanismos de incentivo fiscal son de la mayor importancia, pero el mercado no lo es todo y nunca lo será, su lógica siempre es regida por la ley del más fuerte."

Sobre la intervención estatal y la “clientela”: "El ministerio no puede ser una caja que pase presupuestos a una clientela preferencial. El Estado no hace cultura, pero formula políticas públicas para la cultura, no con la mentalidad del viejo modelo estatista sino para abrir caminos, estimular, abrigar. Para hacer una especie de don antropológico, masajeando puntos vitales momentáneamente despreciados y dormidos del cuerpo cultural del país. En fin, para atizar lo nuevo y reavivar lo viejo.
Entonces, no se trata sólo de expresar o reflejar. Las políticas para la cultura deben ser intervenciones, como caminos reales y vecinales, como caminos necesarios y atajos urgentes. Por eso es que la política cultural del gobierno (Lula) pasa desde este instante a ser parte del proyecto general de construcción de una nueva hegemonía en nuestro país. Como parte del proyecto de construcción de una nación realmente democrática, plural, tolerante, parte de un proyecto creativo y consistente de radicalidad social".

Completar la construcción de una Nación:"Tenemos que completar la construcción de la nación, incorporar segmentos excluidos, reducir las desigualdades que nos atormentan. O no tendremos cómo recuperar nuestra dignidad interna, cómo afirmarnos ante el mundo, cómo sustentar el mensaje que tenemos para dar a este planeta siendo una nación que se prometió a sí misma el ideal más alto que se puede proponer una colectividad: el ideal de la convivencia y la tolerancia entre seres y lenguajes diversos".

La multiplicidad cultural: "El papel de la cultura en ese proceso no es apenas táctico o estratégico, es central. La multiplicidad cultural (brasileña) es un hecho. Paradójicamente, nuestra unidad cultural también lo es. De hecho, podemos decir que nuestra diversidad interna es hoy en día uno de nuestros trazos de identidad más nítidos. " Para ver el discurso completo en la contratapa del Suplemento Radar
Otro artículo sobre el tema en Página 12

Un editorial de INTERLINK donde Alejandro Piscitelli celebra la llegada al ministerio de Gilberto y comenta acertadamente el discurso.

También y aunque es otro tema (del que ya venimos hablando en SURI) su discurso traducido en BarrraPunto, sobre el lanzamiento de Creative Commons.

Gilberto Gil y la cultura

En estos momentos en que buena parte de los músicos argentinos estamos discutiendo la mejora de las condiciones en que se crea y se hace música en nuestro país, es oportuno recordar algunos de los conceptos que el músico Gilberto Gil pronunció en su discurso de asunción como Ministro de Cultura del Brasil. Es también oportuno recordar(nos) que un cambio de estas características en las que se pretende y compromete la construcción de una nueva realidad o el reconocimiento de una realidad oculta, esto es la materialización y actualización de un conjunto compartido de ideas, de anhelos, de valores. En el siglo XXI esto significa la aceptación de la diversidad cultural. Y esto se hace discutiendo ideas y no meramente personas. Claro que la opinión de gente reconocida por sus prácticas, oficios u artes es fundamental (léase los famosos), Pero también la de los miles que, más acá o más allá de la pantalla de su televisor, son los que pacientemente construyen día a día el tejido de aquello que se ha dado en llamar la cultura de un país, de un continente, un colectivo. Desde nuestra perspectiva esta cultura debe ser leída como “las” culturas. Porque este plural reclama el reconocimiento de la diversidad cultural, y aún así la cultura puede ser entendida como unidad (unidad en la diversidad), como el conjunto de rasgos y características que hacen a la identidad de una nación.
Porque son muchas las discusiones inútiles que se arman sobre cual debe ser el rol del estado frente a la cultura y, en nuestro caso particular, a la música. Discusiones, muchas veces inútiles, que se alejan del fondo de la cuestión, la definición de políticas culturales, para encallar en discursos grandilocuentes e inconducentes, para finalmente hartar(nos) y dejar todo como está. O sea mal.

Pero veamos algunas de las cosas que dijo entonces este músico de 63 años:
Comenzando por el rechazo al término folklore que asocia directamente con la discriminación; continuando con su concepción de la cultura como la usina de símbolos de un pueblo; la labor del ministerio como un ejercicio de antropología aplicada; el rol del Estado: "el Estado no hace cultura sino que crea las condiciones de acceso universal a los bienes simbólicos".

Cultura y Folklore: “Cultura, como dijo alguien, no es apenas “esa especie de ignorancia que distingue a los estudiosos”. Tampoco es lo que se produce únicamente en las áreas canonizadas por los cánones occidentales. Del mismo modo, nadie va a escucharme jamás hablar de folklore. Es que los vínculos entre el concepto erudito del folklore y la discriminación cultural son más que estrechos: son íntimos.
Folklore es todo aquello que por su antigüedad no se encuadra en la cultura de masas y es producido por gente inculta, por “primitivos contemporáneos”, como una especie de enclave simbólico e históricamente atrasado en el mundo actual. No existe el folklore, existe la cultura”.

Cultura y valor de uso:
“La cultura vista como todo aquello que en el uso de cualquier cosa se manifiesta más allá del mero valor de uso. Cultura como eso que en cada objeto que producimos trasciende lo meramente técnico. Cultura como usina de símbolos de un pueblo. Cultura como conjunto de signos de cada comunidad y toda una nación. Cultura como el sentido de nuestros actos, la suma de nuestros gestos, el sentido de nuestras maneras".

Cultura y Estado: ”Con esta perspectiva, las acciones del Ministerio de Cultura deberán ser entendidas como ejercicios de antropología aplicada. El ministerio debe ser como una luz que revela en el pasado y en el presente las cosas y los signos que hicieron y que hacen que (un país sea un país) Brasil sea Brasil."
“El Estado no hace cultura, el Estado crea las condiciones de acceso universal a los bienes simbólicos, las condiciones de creación y producción de bienes culturales, sean artefactos o mentefactos”.

El acceso a la cultura como un derecho básico. “Es porque el acceso a la cultura es un derecho básico de la ciudadanía, como el derecho a la educación, la salud, el medio ambiente saludable. Y es porque al invertir en las condiciones de creación y producción estaremos tomando una iniciativa de consecuencias imprevisibles y ciertamente brillantes y profundas, ya que la creatividad cultural brasileña, de la colonia hasta hoy, siempre fue mucho más allá de lo que permitían las condiciones educacionales, sociales y económicas de nuestra existencia." "En rigor, el Estado nunca estuvo a la altura del hacer de nuestro pueblo. Por lo tanto, es preciso ser humildes y al mismo tiempo no dejar de actuar como Estado. El Estado no debe optar por la omisión, evadir responsabilidades, apostando todas las fichas a los mecanismos fiscales, entregando así la política cultural a los vientos, los sabores y los caprichos del dios-mercado. Claro que las leyes y mecanismos de incentivo fiscal son de la mayor importancia, pero el mercado no lo es todo y nunca lo será, su lógica siempre es regida por la ley del más fuerte."

Sobre la intervención estatal y la “clientela”: "El ministerio no puede ser una caja que pase presupuestos a una clientela preferencial. El Estado no hace cultura, pero formula políticas públicas para la cultura, no con la mentalidad del viejo modelo estatista sino para abrir caminos, estimular, abrigar. Para hacer una especie de don antropológico, masajeando puntos vitales momentáneamente despreciados y dormidos del cuerpo cultural del país. En fin, para atizar lo nuevo y reavivar lo viejo.
Entonces, no se trata sólo de expresar o reflejar. Las políticas para la cultura deben ser intervenciones, como caminos reales y vecinales, como caminos necesarios y atajos urgentes. Por eso es que la política cultural del gobierno (Lula) pasa desde este instante a ser parte del proyecto general de construcción de una nueva hegemonía en nuestro país. Como parte del proyecto de construcción de una nación realmente democrática, plural, tolerante, parte de un proyecto creativo y consistente de radicalidad social".

Completar la construcción de una Nación:"Tenemos que completar la construcción de la nación, incorporar segmentos excluidos, reducir las desigualdades que nos atormentan. O no tendremos cómo recuperar nuestra dignidad interna, cómo afirmarnos ante el mundo, cómo sustentar el mensaje que tenemos para dar a este planeta siendo una nación que se prometió a sí misma el ideal más alto que se puede proponer una colectividad: el ideal de la convivencia y la tolerancia entre seres y lenguajes diversos".

La multiplicidad cultural: "El papel de la cultura en ese proceso no es apenas táctico o estratégico, es central. La multiplicidad cultural (brasileña) es un hecho. Paradójicamente, nuestra unidad cultural también lo es. De hecho, podemos decir que nuestra diversidad interna es hoy en día uno de nuestros trazos de identidad más nítidos. " Para ver el discurso completo en la contratapa del Suplemento Radar
Otro artículo sobre el tema en Página 12

Un editorial de INTERLINK donde Alejandro Piscitelli celebra la llegada al ministerio de Gilberto y comenta acertadamente el discurso.

También y aunque es otro tema (del que ya venimos hablando en SURI) su discurso traducido en BarrraPunto, sobre el lanzamiento de Creative Commons.

Sergio Aschero: Númerofonía

Hay un artículo de Luis Bruschtein en Página12 que dá cuenta de la aplicación de la numerofonía, una nueva forma de escribir música. El sistema en cuestión se aplica en una comunidad wichí en la selva norteña argentina, más exactamente en la localidad formoseña de El Potrillo, en medio del monte y cercana al río Bermejo.

El contacto entre Aschero y la comunidad wichí se produjo a partir de otra contratapa del diario titulada “Música”. La Fundación Niwok se contactó con la redacción del diario para contactarse con el maestro. El motivo : Un grupo de jóvenes de una comunidad wichí había decidido proponerle la organización de talleres de formadores musicales. Según cuenta Luis Bruschtein, los wichís habían perdido la música propia en el proceso traumático de irrupción de la civilización blanca. Habían dejado de ser pescadores por los continuos desbordes del Bermejo y se habían convertido en montaraces. Esta rama de los wichís fue evangelizada a principios de siglo y perdió sus músicas ancestrales y los instrumentos autóctonos. El grupo Sacham, que reúne a los jóvenes más inquietos de la comunidad, decidió encabezar un proceso de recuperación de sus capacidades musicales y de recreación de sus procesos culturales
Según puede verse en el sitio de Aschero la Numerofonía parte de la relación entre la imagen y el sonido, de la vinculación entre los dos sentidos más potentes: la vista y el oído. Es un código interactivo de las áreas físico-matemáticas, de origen pitagórico, que se ha desarrollado con un criterio científico, integrando la óptica, la acústica, la geometría y la aritmética, en un modelo único de representación simbólica

Algunos links relacionados:
http://www.matejoven.mendoza.edu.ar/curiosi.htm
http://www.mariafux.com.br/numerofonia/aschero.htm target="blank"

Tod Machover: Toy Symphony & Hyperscore

Este segundo cuatrimestre con los alumnos de la cátedra de Teorías de la Percepción y la Comunicación (1), nos embarcamos en investigar, entre otros temas, acerca de Música y Tecnología. Esta primera demarcación incluye una cantidad de temas de interés que iremos desarrollando a lo largo del resto del cuatrimestre.

Convenimos que Suri podía ser un buen punto de encuentro para dejar enlaces que puedan conducirnos y ayudarnos a encontrar buena info sobre estos temas y a la vez compartir los hallazgos.
Tod Machover, compositor y profesor de música que trabaja en el Laboratorio de Medios del Massachussets Institute of Technology (MIT), ha desarrollado un software capaz de convertir trazos, colores y texturas en música.

El programa, denominado Hyperscore, forma parte del proyecto Toy Symphony, creado y encabezado por Machover con la intención desarrollar una herramienta a través de la cual cualquier persona pueda componer una pieza musical, sin necesidad de que sepa tocar con maestría un instrumento o de que tenga profundos conocimientos musicales.
Partiendo de que a los niños se les estimula a narrar y a dibujar desde muy pequeños, aun cuando no tienen todavía mucha información acerca de la gramática o de técnicas de artes gráficas como la pintura, Tod Machover pensó que también tanto niños como adultos podían crear música mediante un traductor de representaciones gráficas, y puso manos a la obra para desarrollar el Hyperscore.

El software convierte líneas, texturas y colores en sonidos variados, para que los chicos puedan traducir sus pensamientos y sentimientos a música, declaró Machover. Con esta herramienta, cualquiera puede componer desde una pieza sencilla hasta una compleja sinfonía, y el programa se puede bajar gratuitamente desde el propio sitio del MIT (http://www.mit.edu/), de manera que está disponible para cualquier persona interesada. En la misma página del Hyperscore
Sobre el proyecto Brain Opera: >http://brainop.media.mit.edu/indexold.html
Este es un listado de los proyectos de Tod Machover: http://web.media.mit.edu/~tod/

Aquí un enlace a un artículo de Alejandro Piscitelli que contiene una buena cantidad de otros enlaces.
http://www.ilhn.com/filosofitis/ensayitis/archives/000591.php target="blank"
(1) Materia de la carrera de Educación del Conservatorio Provincial de Música Julian Aguirre. Banfield. Provincia de Buenos Aires.

Arte y Ciencia

Un muy recomendable artículo de Leonardo Moledo sobre las relaciones entre arte y ciencia, publicado en Página 12: Pinta tu época. El artículo es de julio de este año y pueden encontrarlo también bajo el título de Mil años de Pintura y Ciencia.

El artículo es en realidad una charla que el escritor y periodista científico preparó para un ciclo dedicado a Eisntein en el Centro Cultural Borges. En la conferencia Moledo ensaya sobre la mutua influencia entre las ideas científicas más adelantadas y los movimientos pictóricos.

Moledo es Matemático, docente en Ciencias Exactas de la Universidad Nacional de Buenos Aires, investigador del CONICET, y también, desde hace dos años, Director del Planetario "Galileo Galilei".

Por ejemplo en Kandinsky (1866-1944) Moledo señala que: ya no hay objeto. No hay un objeto que se reconstruye: depende de mí si yo quiero reconstruirlo. No hay ninguna “cosa” ahí, éste es el objeto que ya está perdido, es el fluir de la conciencia que ya no es relato.

La historia de que hay fenómenos que ocurren en un espacio previo se olvidó... En todo caso el espacio es la tela donde no se producen fenómenos bien definidos y que inventa el observador. Y en los collages de Hans Arp (1887-1966) ni siquiera subsiste la tela como espacio pictórico, se ha perdido la noción misma de espacio.
Reproducimos el final del artículo de Moledo donde el autor expresa sus intenciones: Lo que yo quería señalar con toda esta larga cadena de asociaciones es lo siguiente: no hay movimientos autónomos en nada. El psicoanálisis rompió con una visión del mundo de lo puramente racional y la visión de lo puramente objetivo y a su vez influyó en la pintura y la literatura. Sabemos, y en general se acepta el ir y venir de influencias entre los movimientos culturales, pero es más difícil aceptarlos cuando se trata de las ciencias duras. Yo realmente no digo que la multiplicidad de los puntos de vista haya influido en la Teoría de la Relatividad o que haya sido al revés. Digo que por lo menos es notorio que las cosas se hayan producido de la misma manera. Y de eso les quería hablar. Muchas gracias por escucharme y seguirme con tanta paciencia.
Si llegaron con la lectura hasta aquí y no visitaron la página que les recomendé al principio se están perdiendo las pinturas y la espléndida conferencia de Leonardo Moledo.
Nos leemos.

Arte y Ciencia

Un muy recomendable artículo de Leonardo Moledo sobre las relaciones entre arte y ciencia, publicado en Página 12: Pinta tu época. El artículo es de julio de este año y pueden encontrarlo también bajo el título de Mil años de Pintura y Ciencia.

El artículo es en realidad una charla que el escritor y periodista científico preparó para un ciclo dedicado a Eisntein en el Centro Cultural Borges. En la conferencia Moledo ensaya sobre la mutua influencia entre las ideas científicas más adelantadas y los movimientos pictóricos.

Moledo es Matemático, docente en Ciencias Exactas de la Universidad Nacional de Buenos Aires, investigador del CONICET, y también, desde hace dos años, Director del Planetario "Galileo Galilei".

Por ejemplo en Kandinsky (1866-1944) Moledo señala que: ya no hay objeto. No hay un objeto que se reconstruye: depende de mí si yo quiero reconstruirlo. No hay ninguna “cosa” ahí, éste es el objeto que ya está perdido, es el fluir de la conciencia que ya no es relato.

La historia de que hay fenómenos que ocurren en un espacio previo se olvidó... En todo caso el espacio es la tela donde no se producen fenómenos bien definidos y que inventa el observador. Y en los collages de Hans Arp (1887-1966) ni siquiera subsiste la tela como espacio pictórico, se ha perdido la noción misma de espacio.
Reproducimos el final del artículo de Moledo donde el autor expresa sus intenciones: Lo que yo quería señalar con toda esta larga cadena de asociaciones es lo siguiente: no hay movimientos autónomos en nada. El psicoanálisis rompió con una visión del mundo de lo puramente racional y la visión de lo puramente objetivo y a su vez influyó en la pintura y la literatura. Sabemos, y en general se acepta el ir y venir de influencias entre los movimientos culturales, pero es más difícil aceptarlos cuando se trata de las ciencias duras. Yo realmente no digo que la multiplicidad de los puntos de vista haya influido en la Teoría de la Relatividad o que haya sido al revés. Digo que por lo menos es notorio que las cosas se hayan producido de la misma manera. Y de eso les quería hablar. Muchas gracias por escucharme y seguirme con tanta paciencia.
Si llegaron con la lectura hasta aquí y no visitaron la página que les recomendé al principio se están perdiendo las pinturas y la espléndida conferencia de Leonardo Moledo.
Nos leemos.

MP3 Cumple 10 años

"Se ha exagerado el perjuicio del MP3 en la industria musical", dice Bernhard Grill en una imperdible entrevista publicado en El País Entre otras cosa cuenta que habían ofrecido este sistema de codificación al sector discográfico, pero "nos dijeron que era demasiado incómodo y que no sería un mercado de masas" - "Ha tardado 10 años en producirse el cambio de actitud de la industria musical."
Comentarios de Cecilia Fleta, autora de la entrevista: "En la cuna del MP3 no suena la música. En la cuna del MP3 nadie se ha hecho rico. En la cuna del MP3 no hay stock options, ni joint ventures, ni venture capitalist. La cuna del MP3, efectivamente no es Estados Unidos, sino Europa: el Instituto Fraunhofer en Erlangen (Alemania)". Hace un par de años atrás se pensó que el MP3 podría caer en desuso ya que otros formatos de audio comprimido como Windows Media Audio y Ogg Vorbis comenzaron ser incluídos en programas, sistemas operativos y aparatos reproductores, pero esto no sucedió a pesar de que estos nuevos sistemas son de mayor calidad.
¿Será la cuestión de la pérdida de calidad en MP3 y otros sistemas determinante en el rumbo que tomarán las cosas?

En un CD de audio, los sonidos son muestreados a 44,1 KHz (ya que el ancho de banda que puede percibir el oído humano es de 22 KHz aprox.) y cuantificados con 16 bits de resolución. Básicamente se elimina todo lo que haya por encima del umbral del oido humano medio y lo restante se comprime MP3 es un formato de compresión de audio con pérdidas. Tal la denominación que le corresponde. Obviamente esto implica que hay otros sistemas de compresión sin pérdidas.

Jacques Attali y la música

Un link a la la conferencia de Jacques Attali (de mayo del 2001) que nos llegó a través de la lista de Datos. El francés Attali, autor de Noise (1977), es economista político, y utiliza la música como ejemplo para explicar su particular concepción del término información:"la música es un caso especial por numerosas razones. Una razón económica es que la música es información pura. En economía, la información es el demonio -es imposible de manejar. Por ejemplo, toda la teoría económica es la teoría de escasear recursos . Si la leche se obtiene libremente, su precio baja. Si la leche escasea, sube: esta es la teoría económica.
Pero no funciona con la música; no funciona con la información como totalidad. Si yo tengo una botella de leche y te la doy, ya no la tengo. Pero si te doy una pieza de información, aún la tengo, la conservo. Lo cual significa que si tengo algo y te lo doy, estoy creando algo nuevo: abundancia".
REA Revista Electrónica

En la conferencia sobre música de mayo llevada a cabo en Cybersalon Net, Londres, el economista político francés Jacques Attali declaró que internet permite continuar los ruidos de guerra de la música, a través de otros medios. A continuación una transcipción abreviada.
Jacques Attali, autor de "Noise - The Political Economy of Music" (1977).

Transcipto en inglés por Niki Gomez. Una edición completamente revisada de Noise fue recientemente republicada en francés por Fayard. El website de Jacques Attali es http://www.attali.com .Un archivo online de la conferencia Cybersalon, con archivos de audio de las demás charlas está en http://www.cybersalon.org

Traducido al castellano por Carlos Di Nápole - ANTI-G Proyecto Arquitecsónica
Algunos párrafos rescatados:

"Si yo tengo una botella de leche y te la doy, ya no la tengo. Pero si te doy una pieza de información, aún la tengo, la conservo. Lo cual significa que si tengo algo y te lo doy, estoy creando algo nuevo: abundancia.
"Y esto significa que la teoría económica no funciona con la información, cuando la información puede separarse de su soporte material -un CD o cualquiera sea el caso".
"Cuando poseo algo que es escaso, su valor está unido al hecho de que es escaso, y de que me pertenece y a nadie más. En una economía de la información, algo tiene mayor valor cuando mucha gente lo posee. Por ejemplo, si soy el único que posee un teléfono, no significa nada; no si no tengo a quien llamar. Si soy la única persona que habla un lenguaje en particular, su valor es nulo, porque no puedo hablar con nadie más". "En la teoría de la información, el valor de algo aumenta con el número de gente que lo comparte. Por eso es que debemos ser muy cautelosos, cuando hablamos de música, de no tener en mente las leyes económicas".
"Pero existen además otras razones por las cuales no podemos fiarnos de la economía para entender a la música. Cada actividad humana tiene una historia, una historia que existió antes de la economía, cuando las cosas tenían un valor que no era un precio. Luego, si se quiere entender el valor de algo, se debe intentar entender el valor que poseía antes de que se le asigne un precio. Esto es verdadero para todo. Recién cuando se encuentra el valor, el rol, la función de algo antes de que tenga un precio es cuando se puede considerar que posee un valor económico y porqué se mantiene aún hoy".

(...) "Pero entonces un nuevo grupo de administradores de dinero surgió de la clase media: los burgueses, los tenderos. Querían acceder a la música, pero eran demasiados y no estaban en posición de financiar a los músicos a tiempo completo. Así surgió la presentación pública. Lo interesante es que esto no sólo comenzó a organizar la música económicamente, - alguien organizaba los conciertos y otros compraban las entradas- sino que nuevos estilos e instrumentos comenzaron a tener impacto estético, como la sonata y la sinfonía. Es un período caracterizado por la representación".
"Creo que podemos estar entrando en una cuarta era, la cual no reemplazará a la repetición, así como la repetición no reemplazó a la representación y la representación al ritual. Por ejemplo, aún asistimos a conciertos que surgieron durante el período representacional.
Hay un número de puntos a considerar aquí. Primeramente, cuando la gente que habla de "piratas", se debe recordar que la industria musical es el mayor pirata de todos, y lo fue desde el comienzo. ¿Quién creó la posibilidad de duplicar y distribuir música sino la misma industria discográfica?"

"Pero la tecnología puede ser usada para crear escasez artificial, de modo que bienes culturales puedan ser comprados y vendidos como cualquier otro artículo".

"No entanto, si estoy en lo cierto al decir que la repetición no será suficiente para domar la música en el futuro, un cuarto estadio en la evolución de la música puede surgir, al que yo llamo "composición". El futuro es ya no escuchar música, sino tocarla. Es diferente a todo lo que mencioné antes. Como teórico, debo decir que la composición debe ser principalmente hecha para nosotros, para cada uno, por el simple placer de hacer música. Esto es significativo no sólo porque se hace por fuera de la economía, para regocijo personal, sino porque la misma persona que escucha a la pieza es quien la hace. Yace principalmente fuera de la comunicación. Y estilísticamente, es importante porque, como cualquier músico diría, lo que nos gusta tocar casi siempre no es lo que nos gusta escuchar".

Big Bangs de Goodall

Est Film & Arts está repitiendo los capítulos de Howard Goodall. Imperdibles para aquellos interesados en la música. Con conocimiento, soltura y mucho buen humor, Goodall hace entendibles muchas de las cosas que para los legos son complejas, por ejemplo el sistema temperado. En otros casos, como en la historia del piano, la forma de narrar, las ambientaciones y las mismas puestas en escena tienen un ritmo musical. En el caso del temperamento, donde otros ponen una Talking Head, para decir "las oscuras aguas" (por mencionar una de las metáforas para designar al medioevo), Goodhall rema con su bote, atravesándo un tunel, del cual emerge justo cuando comienza a hablar del Renacimiento. Lo de Big Bangs alude a cada una de las revoluciones que se fueron dando en la historia de la música occidental y a la vez una de las frases favoritas de Warren.

El martes 1 de Febrero. todavía pueden aprovechar el último capítulo:
EL DESARROLLO DEL SONIDO GRABADO. Estén atentos a los probables cambios de horarios (12:00, 22:00 y 01:00 )

En este último programa de la serie, Howard analiza la invención de la grabación de sonido, y el impacto que esto ha tenido en la música del modo que la conocemos. Explica la manera en la que Edison llegó a inventar una forma de grabar sonidos mientras trabajaba en un método para mejorar la velocidad del telégrafo, da una mirada a las maquinas grabadoras a las que este descubrimiento llevó y el efecto que la amplia disponibilidad de música tuvo en la historia y el desarrollo de la música clásica en Occidente. Para aquellos que se lo perdieron pero quieren buscarle la pista.
LA INVENCIÓN DE LA NOTACIÓN
Martes 4
El primer programa de Howard rastrea las primeras formas de notación musical, donde simples acentos eran colocados sobre las palabras para mostrar si la melodía subía o bajaba. Esto lo lleva a investigar el trabajo de Guido, cuya idea de dibujar una línea de tono fijo alrededor de la cual organizar estos acentos llevó al pentagrama musical, tal como lo conocemos hoy en día.

EL NACIMIENTO DE LA ÓPERA
Martes 11
En este programa Howard viaja a Florencia, Italia, para explicar los eventos ocurridos alrededor del 1600, cuando la forma operística estaba siendo delineada. Descubre que la Ópera podría no haberse conocido nunca ya que los primeros intentos resultaron muy impopulares. Pero cuando Claudio Monteverdi llegó a Mantua para trabajar para la familia Gonzaga, le dio a esta nueva forma un uso espectacular escribiendo Orfeo, la obra maestra a la que le debemos la existencia de la ópera hoy en día.

EL DESCUBRIMIENTO DEL SISTEMA TEMPERADO
Martes 18
Este es el tema más desafiante que Howard haya tenido que explicar a su público? un tema del cuál hasta los más melómanos de sus televidentes no deben estar advertidos. Así, no podría haber omitido de esta serie al Sistema Temperado, el sistema de tonos por el cual las notas están organizadas en la música Occidental, que ha delineado su historia de tal modo que una enorme cantidad de la música más bella del mundo no habría sido escrita sin él. Este es, tal vez, el más importante de los Big Bangs.

LA HISTORIA DEL PIANO
Martes 25
Regresamos a Florencia, en esta oportunidad para dar una mirada al nacimiento de un instrumento que rápidamente se convirtió en el más popular, versátil y prevaleciente que el mundo haya visto: el piano. Pero a pesar de la forma gradual en la que otros instrumentos terminaron de conformarse, un hombre en particular puede ser nombrado como el responsable de darnos el piano tal como lo conocemos hoy en día, y de catapultarlo hacia delante superando a sus competidores: Bartolomeo Cristofori.

EL DESARROLLO DEL SONIDO GRABADO
Martes 1 de Febrero
En este último programa de la serie, Howard analiza la invención de la grabación de sonido, y el impacto que esto ha tenido en la música del modo que la conocemos. Explica la manera en la que Edison llegó a inventar una forma de grabar sonidos mientras trabajaba en un método para mejorar la velocidad del telégrafo, da una mirada a las maquinas grabadoras a las que este descubrimiento llevó y el efecto que la amplia disponibilidad de música tuvo en la historia y el desarrollo de la música clásica en Occidente.
Los programas fueron producidos por Tigger Aspect para NVC Arts y Channer Four

40 años de Rock Nacional

Nota de Sebastián Ramos en La Nación sobre el primer disco de rock cantado en castellano.

Para coleccionistas: A cuarenta años del lanzamiento de el LP Los Gatos Salvajes , acaba de reeditarse en Europa, una lujosa edición en vinilo. El disco se distribuirá en Gran Bretaña, Holanda, España y Alemania. El original fue grabado en enero de 1965 por la banda rosarina, también llamada Los Gatos Salvajes, liderada por el pionero Litto Nebbia (arriba a la derecha).
Link La Nación

Aún a poco menos de un mes de los hechos de República de Cromañón, me parece oportuno tomar nota de los cuarenta años y dejar para otro post una reflexión sobre el rock nacional.
Volviendo al artículo, es una entrevista a Litto, en un bar de Villa Urquiza. Consultado sobre porqué cree que el rock en castellano comenzó en la Argentina, el músico responde: "Creo que porque el rock argentino tiene una estética muy buena, muy original. En esa época el beat había sucedido en todas partes, pero los conjuntos hacían covers. El único lugar donde no ocurrió así fue acá, en el Río de la Plata, porque siempre hubo muy buenos músicos, con mucha personalidad. El que sabe y colecciona eso lo valora".
Refiriéndose al disco, originalmente grabado para Music Hall, Nebbia dice: Sin querer, con este disco, nosotros aprovechamos para inventar, de alguna manera, una cantidad de cosas que hoy en día son cotidianas. La producción no existía en ese entonces y cada uno de nosotros daba su opinión sobre el sonido, los planos. Este disco sirvió de molde, de proyecto, para muchísimos grupos. Uno ahora escucha rasgos de esta música en el aire, en la línea melódica, en la tímbrica de un montón de conjuntos... Y creo que tiene que ver con que es un material sano, noble. Lo mismo pasa con el primer disco de Almendra, son discos nobles, no huelen a plin caja, a que alguien quiso hacerlo porque estaba de moda tal cosa o iba a ganar guita. La música de hoy suena muy elaborada, pensada con la esperanza de que sea un éxito en un segundo; por eso es tan despersonalizada".
Como siguió la historia es harto conocido: una vez finalizado el contrato, el quinteto se separó y los únicos que no regresaron a Rosario fueron el organista Ciro Fogliatta y Nebbia, que se quedaron en Buenos Aires (...) y poco después formaron Los Gatos, y a ellos sí les llegó a masividad.
El músico que además tiene su propio sello discográfico (http://www.melopeadiscos.com.ar/index2.htm) continúa más activo que nunca: "El fin de semana, en mi casa, grabé un tema para mi nuevo disco, que saldrá en abril; dos para un tributo a Frank Zappa que estoy armando, y uno más para una obra para niños que me pidió un amigo".
Sobre su supuesto alejamiento del rock:"En determinado momento, por querer ampliarme con la música, con la composición y todo eso, comencé a moverme en otro tipo de espectro y no quería quedarme pegado con el tema del rock. Para lograr hacer lo que quería seguramente me equivoqué en muchas cosas y fui muy duro. Pero nunca he renegado de lo que hice. El tema es que el rock, sin querer, con el paso del tiempo, se volvió muy rígido, como también en una época se volvieron rígidos los tangueros. Cuando yo era adolescente, los tangueros ni te saludaban, te decían que lo que hacías era una porquería. Ahora el rock, que se supone que es la música más progresiva, de mayor libertad, pasó a ser, para mi visión, una cosa excesivamente comercial, con una preocupación de divos y divas, que nunca tuvo nada que ver con la naturaleza del rock".

Nota completa de Sebastián Ramos
en LA NACION Link corto: http://www.lanacion.com.ar/672481

Visualizando a Muyala

...y Malena deslumbró en Punta del Este. Según César Pradines en La Nación, el público, mayoritariamente jazzero la eligió como primera revelación. Como lo venimos "visualizando" (diciendo - hasta cansar a los amigos - y posteando en Suri), Malena Muyala es una cantante digna de atención.
Esta vez protagonizó la primera experiencia tanguera en el prestigioso escenario del X Festival de Jazz de Lapataia. Si bien la cantante jugó de local, la artista uruguaya es poco conocida y menos aún entre el público jazzero. Bien para los organizadores del Festival por la inclusión del Tango y fundamentalmente por hacer elegido a Malena para dar el puntapié inicial. La foto que acompaña el post es de Andrea Knight y La Nación.

También Pradines destaca la actuación del maestro Gerardo Gandini con sus deconstrucciones post tango: en Miradas sobre el Tango. Otra que va a estar en este escenario es la argentina María Volonté. acompañada entre otros por un ex alumno, el contrabajista Guillermo Delgado, también integrante del Quinteto Urbano. Algún día tendré que escribir un post que de cuenta de las actividades profesionales de un buen número de alumnos, de algunos años atrás, que hoy trajinan fuertemente los escenarios (1).
Volviendo a Malena, vamos al porqué de nuestro título Visualizando a Malena . Se refiere al artículo, ya que al parecer "Visualizar" será una de las palabras más utilizadas por Muyala durante el encuentro y así define, por ejemplo, la toma de decisiones respecto de su vida. Dice: "Me veo también en una sala de emergencias como doctora y ni digamos como cantante". Al parecer Malena recomenzó sus estudios de medicina y le faltan alrededor de tres años de carrera. Segun la entrevista, Malena dice que "su repertorio y la mayoría de sus arreglos son dictados después de haberlos visualizado, y que incluso puede pasar algún tiempo hasta que "ve" cierto tema tal como lo quiere. La actuación de la uruguaya motivó el siguiente comentario del periodista: "Muyala exhibe soltura sin desenfados y una recia sensualidad; le imprime a las interpretaciones una comunicativa tensión. Su voz suena templada y con un rumor callejero que parece emanado de los suburbios montevideanos, donde el candombe reina sin discusiones. El aroma afrouruguayo está presente, a veces de manera casi imperceptible. Su propuesta tiende a generar un idilio con el público en temas como "Infamia", de Discépolo; "Cuando tú no estás", de Gardel y Le Pera, o en su propio "Verso repetido". La intérprete tiene un fraseo con carácter y un sentido innato para los colores vocales, manejo sutil de los intervalos y un dejo recio en su sensual articulación. En "Los mareados" dejó su huella hasta el punto de recibir la primera aclamación del festival.
La Nación entrevistó también a quien es el productor del Festival de Lapataia Francisco Yobino y la dirección artística sigue siendo la del saxofonista cubano Paquito D´Rivera de quien nunca olvidaremos sus variaciones en soprano de Mozart en aquel concierto grabado en vivo en el festival de Montreaux.
La programación completa del Festival que termina el 16 de enero se puede ver aquí.
(1) Sobre todo cuando algunos de ellos andan por Buenos Aires y nos visitan: Tato Zilli, bajista de Roberto Sánchez (si Sandro!), actualmente en Paraguay o Daniel Díaz, radicado en París, con quienes en estos días de intenso calor en Buenos Aires, hemos tenido, reencuentros emotivos y horas de charlas sobre música(s), las familias, los amigos y sobre "la vida" que le dicen, en el jardín con un par de cervezas. Que se repita. Otro que anda por todas partes haciendo cosas muy interesantes y con un buen ganado prestigio es Pablo Tozzi. También René Delpueche, radicado en Madryn, quién ha prometido su pronta visita. Tambíen Arturo Puertas, a quién conocimos recién llegado de Tucumán, en las épocas en que escribíamos la página de bajo del Musiquero. Todos son hoy músicos maduros y concientes de su tiempo y lugar, cosa que de más está decir, me produce inmensa satisfacción. Por supuesto que todos han tenido maestros con los que perfeccionaron su arte, por ejemplo nuestro amigo y colega, el contrabajista Hernán Merlo. Ahora que lo pienso todos, salvo Guillermo y René, estuvieron en distintos momentos en París ¿Qué tendrá la ciudad luz que desde hace tantas generaciones atrae como un imán? Ni hablar de los tangueros. En muchísimas cosas nuestra mirada es mas francófila que imperial.
Ya sé no me digás..

Frank Zappa Nueva biografía

Las entrevistas eran para Zappa un arte difícil. Decía: "El periodismo rockero se reduce a gente que no sabe escribir, entrevistando a gente que no sabe hablar, para gente que no sabe leer".

Imperdible Nota del News York Times que reproduce Clarín en la Ñ a propósito de la polémica biografía de Frank Zappa, escrita por Barry Miles. Un libro que es rostro y trastienda de esa figura en la cultura musical de los últimos años del siglo XX. El artículo original del NYT es de CAMILLE PAGLIA. Al releer la nota pensé que puedo pasar años sin escuchar a Zappa, pero jamás se borrará de mi la marca bizarra que su música y su actitud imprimieron a mi propia forma de entender la música. Con 53 discos en su haber Zappa fue también un pionero en los principios de la producción digital. La página oficial del maestro

Gran Cierre Tango Lomas 2004

Final para el Festival de Tango Lomas Edición 2004. Ver nota en Inforegión bajo el nostálgico título de "Adiós Milonga".
Fueron cuatro jornadas a todo tango, donde cada uno de los que se presentaron dió lo mejor de sí. Un público respetuoso y muy afectuoso caracterizó a los que asistieron a esta primera edición del Primer Festival de Tango de Lomas de Zamora.

El evento, que en esta oportunidad se realizó en la ciudad de Banfield.
recibió el auspicio de importantes empresas de Lomas de Zamora como La Veneciana, La Recova, Llamas entre otros y fue declarado de Interés Cultural por la Dirección de Cultura de la Municipalidad de Lomas de Zamora.
Para el cierre quedó el compromiso de realizar el próximo año la segunda edición de esto que promete ser uno de los eventos más importantes del conurbano sur.
Se han acercado músicos y promotores culturales, empresarios y comerciantes dispuestos a apoyar y participar del Festival en el 2005. También otras cámaras de Comercio de distintas ciudades del Partido de Lomas se han mostrado interesados en que su ciudad sea sede del evento. La idea de la comisión organizadora es ir rotando la sede cada año. Así Turdera, Temperley y Llavallol se candidatean como posibles ciudades anfitrionas.
Pronto las fotos de la última jornada aquí.
Y la entrevista al músico Néstor Ibarra aquí

IPod ITunes MP3

Que la industria discográfica está en plena transformación lo hemos dicho en reiteradas oportunidades y hay varios post en Suri que dan cuenta de ello. Ahora volvemos sobre el tema aprovechando que está en línea un interesante trabajo de investigación de los profesores Francesco D. Sandulli y Samuel Martín Barbero, de la Universidad Complutense de Madrid, en el que analizan las distintas estrategias de las empresas y el futuro del campo. Para los autores el escenario fundamental de esta revolución se produce en Internet y se sostiene en la tecnología digital y la aparición del formato MP3 (1).

Un futuro brillante y muy envidiado.
En el escenario de la música por Internet, Apple se ha adelantado y tomado posición con su servicio de descargas iTunes. Claro que como ocurre siempre, nadie se queda con toda la torta cuando parece ser demasiado grande para uno solo. Es así que nada menos que empresas como Yahoo! o como Microsoft salen a competir con Apple en un área que promete ser muy importante económicamente y donde todavía no está todo dicho. . En el trabajo titulado " Música en Internet: Estrategias a seguir", bajar el trabajo en formato PDF los dos profesores, que trabajan en el Departamento de Organización de Empresas y son titulares de la Cátedra UCM-DMR Consulting, destacan que "el actual entorno competitivo ha sido transformado por la aparición de dos revolucionarios inventos: la tecnología digital, en los años 80; y el formato de comprensión Motion Picture Experts Group Layer 3, más conocido como MP3. La primera revolución impactó tanto en la elaboración de productos digitales, mejorando, por ejemplo, la calidad de la producción, como en el consumo, apareciendo nuevos aparatos reproductores, el MP3, en cambio, ha tenido su mayor impacto en la distribución, reemplazando paulatinamente a la tradicional -física-, por la digital. De hecho, como consecuencia de este desarrollo tecnológico, ciertos actores o agentes tradicionales están viendo amenazada su posición por la redes de usuarios Peer-to-Peer (P2P), perfiladas como canal de distribución alternativo .
En octubre de 2001, con el lanzamiento de iPod, y luego con iTunes, en octubre de 2003, la compañía creada por Steve Jobs: Apple, dió dos pasos importantes en lo que, parece ser, una de las direcciones probables, hacia donde todos irán luego, en este nuevo mercado. ¿será finalmente así?. Ver nuestro Post sobre Peter Gabriel y MUDDA para ver otros posibles caminos.
Volviendo a iTunes, ésta posee un catálogo de 700.000 canciones en formato digital y cuenta con la colaboración de nada menos que las cinco mayores discográficas del mundo, lo que le ha permitido vender más de 60 millones de canciones, alcanzado así una cuota de mercado del 70%. Jupiter Research, mencionada como fuente en el trabajo de los académicos, señala que el crecimiento de las ventas de música por suscripción se multiplicará por ocho en 2009, pasando de los 113 millones de dólares de este año a 890 millones. Además, las descargas musicales por Internet alcanzarán los 803 millones de dólares, cinco veces más que los 158 millones de dólares de este ejercicio .
Consciente de este brillante futuro, Microsoft lanzó el pasado 2 de septiembre MSN Music, una tienda de música en Internet, y la versión número diez de su software Media Player, que permite reproducir audio y vídeo. Doce días más tarde, Yahoo! anunció la compra del servicio de descargas por Internet Musicmatch por 160 millones de dólares (130 millones de euros). Musicmatch ofrece una radio de música con más de 900.000 canciones y un catálogo con más de 700.000 canciones, según el diario Expansión. Al unirse con Yahoo!, el nuevo servicio, que se llamará Launch, tendrá acceso a una audiencia de 23 millones de usuarios. La pregunta es ¿Quién se quedará con la mejor parte?, ¿Qué podrán hacer los actores tradicionales? Según los profesores Sandulli y Martín el futuro será de quien sepa construir un catálogo amplio de canciones, fijar precios competitivos, y añadir valor añadido a la compra, por ejemplo, desarrollando comunidades virtuales o a través del empaquetamiento en la oferta de productos. Los expertos añaden que la combinación de estos tres elementos permite generar economías de escala.
Una opción estratégica es la personalización:.la creación de un CD personalizado con las canciones que escoja el consumidor, y que posteriormente se adquiere o recoge en cualquiera de sus establecimientos físicos. Pero cualquier estrategia que se siga en el nuevo mundo de la industria digital debe tener en cuenta la falta de tradición entre los consumidores por pagar las descargas de música en la red, debido al efecto que generaron sitios como Napster. De hecho, un estudio de Jupiter Research, de 2001 que citan los profesores, destaca que sólo 3 de cada 10 internautas pagarían por obtener contenidos online.
También hay un artículo en el que se exponen los principales tópicos del trabajo de la Universidad Complutense en http://www.diversica.com/entretenimientoweb/archives/001587.php
Por otro lado en un artículo de
Clarín se comenta que Apple lanzó su servicio de distribución de música online que permite bajar canciones de la red por 1 dólar y copiarlas después a un disco. El sistema fue lanzado conjuntamente con la nueva versión de su reproductor de MP3, el iPod. Por us$ 0,99 y sin estar suscripto al servicio, los usuarios podrán bajar las canciones disponibles en la nueva tienda de Apple en Internet, bautizada iTunes Music Store. El servicio, que ofrece 200 mil títulos cuyos derechos pertenecen a los principales sellos discográficos, permite grabar las canciones en CDs tantas veces como al usuario se le antoje.

La iniciativa podría convertirse en una alternativa a los servicios gratuitos de intercambio de música por Internet, como Morpheus, y, también, a los que operan las discográficas, que aún desconocen el éxito. El presidente ejecutivo de Apple, Steve Jobs, señaló que el lanzamiento abre “una nueva era en el consumo de música digital. Los consumidores no quieren ser tratados como delincuentes y los artistas no quieren que nadie les robe su trabajo. iTunes es una solución para ambos", opinó Jobs, quien tambuén presentó personalmente el nuevo iPod, capaz de almacenar hasta 7.500 canciones, más liviano y delgado que dos CDs.

(1) El formato MP3permite reducir entre diez y veinte veces las necesidades de almacenamiento de un archivo musical, fue lanzado al mercado por la empresa germana Fraunhofer Gesellschaft a principios de los 90. Ver post sobre la tecnología LWDR

Tango Lomas Edición 2004

Durante los cuatro sábados de noviembre se realizará en el Teatro de la Cámara de Comercio de Banfield el Ciclo Tango Lomas - Edición 2004. La iniciativa surgió a partir del interés de distintos artistas y agrupaciones tangueras, originarios de esta ciudad en compartir escenarios con el fin de mostrar su arte y la vigencia del género en el sur del conurbano.
El Trío La Hilacha oficia de grupo anfitrión y cada sábado comparte el escenario con un grupo distinto. El evento ha sido declarado de Interés Cultural por la Dirección de Cultura de la Municipalidad de Lomas de Zamora.

La programación quedó definida del siguiente modo:
Sábado 6/11 Agrupación Lunfarda Los Morlacos junto a La Hilacha Tango Trío
Sábado 13/11 La Hilacha Tango junto a María Estela Monti (Nominada en los Grammy Latino 2004 como mejor disco de Tango)
Sábado 20/11 La Hilacha Tango junto a La Ochava Tango (Trío de guitarras)
Sábado 27/11 Néstor Ibarra Ensamble, La Hilacha Tango y el Quinteto Lomas Tango cantan: Paula Macía y Rodolfo Palmer.

La cita es los sábados a las 21:30 hs. excepto el último (sábado 27/11) que, al estar prevista la actuación de tres grupos, el espectáculo comenzará media hora antes. El Teatro de la Cámara de Comercio de Banfield queda en Alsina 622(y Maipú) Banfield Este(a una cuadra de la estación).
La entrada es un bono contribución de $5.

Sobre las distintas formaciones:
El Quinteto Lomas Tango, es la flamante orquesta de tango municipal y está integrada por jóvenes maestros:
Joaquín Apesteguía, director y guitarrrista; Pablo Arcángeli en contrabajo; Diana Ginsburg en piano; Mariana Atamas en violín, y el maestro Pablo Greco en bandoneón. Los cantantes son Paula Macías y Rodolfo Palmer.

El trío de guitarras La Ochava Tango nació en marzo de 2002 a partir de la idea de Gastón Puy y Osvaldo López, amigos y compañeros de la Escuela de Música Popular de Avellaneda, de formar un trío dedicado exclusivamente al
tango, así se incorpora a la formación Leandro Juárez en la tercer guitarra. Éste trío interpreta arreglos propios pensados y basados en la experimentación y en la forma de concebir la música de cada uno de sus integrantes. Su espectáculo se denomina “Tango experimental y de proyección. De Guardia a Guardia…”. También hay una nota en Inforegión
El Néstor Ibarra Ensamble está formado por Diego Mano (Piano y Percusión); Néstor Lamónica (batería); Pablo Lanouguere (Bajo eléctrico) y Néstor Ibarra (guitarra eléctrica, bandoneón, percusión y piano). El repertorio está conformado por obras de: H. Salgan – A. Piazzolla – J. C. Cobián y los arreglos son del maestro Néstor Ibarra.


La Hilacha Tango Trío
está integrado por Pancho Arregui (guitarras), Silvia Díaz (voz) y Roberto Schimkus (bajo), y su espectáculo se llama "El Berretin" - Tangos, Milongas y Valsecitos. Entrevista publicada en Inforegión con motivo del Festival












La Agrupación Lunfarda Los MORLACOS está formada por Ricardo "El Caimán" (guitarrón); Bruno Longgipietro (guitarra); "El Ruso" Charcas (guitarra) y Armando Sarabia (guitarra y voz) maestros del tango lunfardo. Hay una entrevista publicada a Armando ( en rigor Luciano) en Inforegión




Quien engalana el ciclo es nada menos que María Estela Monti, recientemente nominada al Grammy Latino 2004 como mejor disco de tango. La artista que acaba de llegar de Los Angeles se presentará con los músicos:
Gustavo Fernández (guitarra), Adrián Harbi (guitarra); Bucky Arcella (bajo) y Daniel Blanco (batería). Si bien todos los músicos que acompañan a Monti son oriundos de la Ciudad Autónoma, Daniel Blanco nació y vivió hasta hace pocos años en Lomas de Zamora.

Barenboim - Said

En una nota en La Nación el director argentino-israelí evoca al humanista palestino, fallecido el 25 de septiembre del año último. Ambos estuvieron unidos por una pasión común: la música. Y además eran amigos entrañables.
Según Barenboim, "el pensamiento y el estilo de Said, excelente pianista, tenía raíces musicales. De la música procedían su interés por el detalle, la distinción entre poder y fuerza, la necesidad de unir la lógica y los sentimientos y su búsqueda de la integración en todos los campos de la cultura"
En este post seleccionamos un par de párrafos y el enlace al artículo completo:

Para Barenboim, el palestino Edward Said, fue muchas cosas para mucha gente pero, en realidad, su alma era el alma de un músico, en el sentido más profundo de la palabra. El pianista y director argentino israelí dice: "Escribió sobre temas universales importantes como el exilio, la política, la integración. Sin embargo, lo más sorprendente para mí, como su gran admirador y amigo, fue comprobar que en muchas ocasiones él llegaba a formular sus ideas y conclusiones por medio de la música y, paralelamente, veía la música como un reflejo de las ideas que tenía sobre otros temas".
Según Barenboim, con respecto a la educación musical Said advertía "un signo que le molestaba sobremanera, percepción que muy pronto nos unió: inclusive cuando había educación musical, ésta se hacía de un modo muy especializado. En el mejor de los casos, se brindaba a los jóvenes la oportunidad de practicar un instrumento, de adquirir conocimientos imprescindibles acerca de teoría, de musicología y de todo lo que un músico necesita profesionalmente pero, al mismo tiempo, se generalizaba una incomprensión creciente de un problema a la vez simple y complejo que es la imposibilidad de articular con palabras el contenido de una obra musical. Al fin y al cabo, si fuera posible expresar en palabras el contenido de una sinfonía de Beethoven, no la necesitaríamos más. Pero el hecho de que exista esta imposibilidad de expresar en palabras el contenido de la música no significa que no haya contenido. Por eso afirmo que la cuestión es simple y compleja a la vez. .
"También diferenciaba muy bien el poder y la fuerza, lo que constituyó una de las ideas principales de su lucha. Sabía muy bien que, en la música, con fuerza no hay poder, algo que muchos dirigentes políticos en el mundo no perciben. La diferencia entre poder y fuerza equivale a la diferencia entre volumen e intensidad en la música. Cuando se habla con un músico y se le dice: "Lo que estás haciendo no tiene suficiente intensidad", la primera reacción es aumentar el volumen. Y se trata justamente de lo contrario: cuanto menor es el volumen, mayor es la necesidad de intensidad y, cuanto mayor es el volumen, es más necesaria una fuerza tranquila en el sonido".
Por último destacamos el siguiente párrafo: Son éstos algunos ejemplos que ilustran mi convicción de que la concepción de la vida y de la música de Said se originaba y residía en la música. Otro ejemplo se encuentra en su idea de interconexión, de vinculación. En música no existen elementos independientes. ¡Cuántas veces pensamos, tanto en lo personal como en lo social o lo político, que hay ciertas cosas independientes y que, al hacerlas, no tendrán influencia en otras o que esta vinculación se mantendrá oculta! Esto no sucede en la música porque en ella todo está interconectado. La melodía más simple, con una armonía compleja, cambia drásticamente de carácter e intención. Eso se aprende de la música, no de la vida política. Así surge la imposibilidad de separar elementos, la percepción de que todo está conectado, la necesidad de unir siempre el pensamiento lógico a la emoción intuitiva. ¡Cuántas veces cada uno de nosotros piensa que debe meditar algo fríamente! Lo sabemos muy bien pero nos olvidamos de que la emoción no nos permitirá hacerlo. ¿Cuántas veces sucumbimos a la tentación de abandonar toda lógica por una necesidad emotiva, por un capricho emotivo, por la seducción de la emoción? En la música eso es imposible, ya que no se puede hacer música exclusivamente con la razón o con la emoción. Voy más allá: si esos elementos se pueden separar, ya no se trata de música sino de una colección de sonidos. Si el oyente al oír algo puede afirmar que - tiene una lógica impresionante pero emocionalmente no me convenció - o, en cambio, - cuánto me atrajo, qué emocionante fuerza emotiva tiene aunque no era muy lógico -, para mí eso a lo que se refiere ya no es música. Para Said tampoco lo era".

Y la reflexión final: "El pueblo palestino perdió con su muerte a uno de sus abogados más lúcidos, aunque fue y es muy criticado en su propio país. Para Israel fue un adversario formidable, aunque abogó tanto por un reconocimiento mutuo como por la aceptación del sufrimiento del otro. Sin embargo, ¡cuántos líderes israelíes hubieran preferido olvidarse de la existencia de Edward Said"!

Por Daniel Barenboim
Nota completa en LA NACION - Chicago, 2004 (hay que ser usuario registrado para acceder a la nota)
En la foto Barenboim y Said al momento de recibir el Premio Príncipe de Asturias.
(El texto original fue elaborado sobre la base del homenaje que, este año, el maestro Barenboim rindió a Said en la UBA.)
Para quienes quieran profundizar en el pensamiento de Edward Said, la revista Ñ publicó un artículo de Carlos Altamirano, en el número aniversario, donde se comenta su obra.

Barenboim - Said

En una nota en La Nación el director argentino-israelí evoca al humanista palestino, fallecido el 25 de septiembre del año último. Ambos estuvieron unidos por una pasión común: la música. Y además eran amigos entrañables.
Según Barenboim, "el pensamiento y el estilo de Said, excelente pianista, tenía raíces musicales. De la música procedían su interés por el detalle, la distinción entre poder y fuerza, la necesidad de unir la lógica y los sentimientos y su búsqueda de la integración en todos los campos de la cultura"
En este post seleccionamos un par de párrafos y el enlace al artículo completo:

Para Barenboim, el palestino Edward Said, fue muchas cosas para mucha gente pero, en realidad, su alma era el alma de un músico, en el sentido más profundo de la palabra. El pianista y director argentino israelí dice: "Escribió sobre temas universales importantes como el exilio, la política, la integración. Sin embargo, lo más sorprendente para mí, como su gran admirador y amigo, fue comprobar que en muchas ocasiones él llegaba a formular sus ideas y conclusiones por medio de la música y, paralelamente, veía la música como un reflejo de las ideas que tenía sobre otros temas".
Según Barenboim, con respecto a la educación musical Said advertía "un signo que le molestaba sobremanera, percepción que muy pronto nos unió: inclusive cuando había educación musical, ésta se hacía de un modo muy especializado. En el mejor de los casos, se brindaba a los jóvenes la oportunidad de practicar un instrumento, de adquirir conocimientos imprescindibles acerca de teoría, de musicología y de todo lo que un músico necesita profesionalmente pero, al mismo tiempo, se generalizaba una incomprensión creciente de un problema a la vez simple y complejo que es la imposibilidad de articular con palabras el contenido de una obra musical. Al fin y al cabo, si fuera posible expresar en palabras el contenido de una sinfonía de Beethoven, no la necesitaríamos más. Pero el hecho de que exista esta imposibilidad de expresar en palabras el contenido de la música no significa que no haya contenido. Por eso afirmo que la cuestión es simple y compleja a la vez. .
"También diferenciaba muy bien el poder y la fuerza, lo que constituyó una de las ideas principales de su lucha. Sabía muy bien que, en la música, con fuerza no hay poder, algo que muchos dirigentes políticos en el mundo no perciben. La diferencia entre poder y fuerza equivale a la diferencia entre volumen e intensidad en la música. Cuando se habla con un músico y se le dice: "Lo que estás haciendo no tiene suficiente intensidad", la primera reacción es aumentar el volumen. Y se trata justamente de lo contrario: cuanto menor es el volumen, mayor es la necesidad de intensidad y, cuanto mayor es el volumen, es más necesaria una fuerza tranquila en el sonido".
Por último destacamos el siguiente párrafo: Son éstos algunos ejemplos que ilustran mi convicción de que la concepción de la vida y de la música de Said se originaba y residía en la música. Otro ejemplo se encuentra en su idea de interconexión, de vinculación. En música no existen elementos independientes. ¡Cuántas veces pensamos, tanto en lo personal como en lo social o lo político, que hay ciertas cosas independientes y que, al hacerlas, no tendrán influencia en otras o que esta vinculación se mantendrá oculta! Esto no sucede en la música porque en ella todo está interconectado. La melodía más simple, con una armonía compleja, cambia drásticamente de carácter e intención. Eso se aprende de la música, no de la vida política. Así surge la imposibilidad de separar elementos, la percepción de que todo está conectado, la necesidad de unir siempre el pensamiento lógico a la emoción intuitiva. ¡Cuántas veces cada uno de nosotros piensa que debe meditar algo fríamente! Lo sabemos muy bien pero nos olvidamos de que la emoción no nos permitirá hacerlo. ¿Cuántas veces sucumbimos a la tentación de abandonar toda lógica por una necesidad emotiva, por un capricho emotivo, por la seducción de la emoción? En la música eso es imposible, ya que no se puede hacer música exclusivamente con la razón o con la emoción. Voy más allá: si esos elementos se pueden separar, ya no se trata de música sino de una colección de sonidos. Si el oyente al oír algo puede afirmar que - tiene una lógica impresionante pero emocionalmente no me convenció - o, en cambio, - cuánto me atrajo, qué emocionante fuerza emotiva tiene aunque no era muy lógico -, para mí eso a lo que se refiere ya no es música. Para Said tampoco lo era".

Y la reflexión final: "El pueblo palestino perdió con su muerte a uno de sus abogados más lúcidos, aunque fue y es muy criticado en su propio país. Para Israel fue un adversario formidable, aunque abogó tanto por un reconocimiento mutuo como por la aceptación del sufrimiento del otro. Sin embargo, ¡cuántos líderes israelíes hubieran preferido olvidarse de la existencia de Edward Said"!

Por Daniel Barenboim
Nota completa en LA NACION - Chicago, 2004 (hay que ser usuario registrado para acceder a la nota)
En la foto Barenboim y Said al momento de recibir el Premio Príncipe de Asturias.
(El texto original fue elaborado sobre la base del homenaje que, este año, el maestro Barenboim rindió a Said en la UBA.)
Para quienes quieran profundizar en el pensamiento de Edward Said, la revista Ñ publicó un artículo de Carlos Altamirano, en el número aniversario, donde se comenta su obra.

Letras de Tango SXXI se buscan

Un bien documentado artículo de Pablo Shanton me motivó a escribir este post. El artículo titulado "Canciones en la ciudad de la furia" fue publicado en la revista de cultura "Ñ" (21/08/04) y su tema son las letras de tango. Ya no se trata de la actualidad o no del género, sino de la temática de las mismas en relación a una Buenos Aires siglo XXI, más cosmopolita y globalizada, más tercermundista y latinoamericana, menos Parisina y mucho más destruída. Y algo fundamental: con nada menos que 30 años de rock nacional encima. Hay varios temas conexos sobre los cuales escribir, por ejemplo las dificultades con que los nuevos autores se encuentran al momento de encontrar quién interpreta sus temas. Particularmente me interesa comenzar comentando una frase de uno de los entrevistados en el artículo, Ernesto Pierro: "Lo que el público aplaude muchas veces son esas maravillosas obras que interpretan, más allá de que a ese público le guste o no quienes las interpretan". Pierro denomina a esto "aplausos robados", que resulta ser una excelente descripción del cuadro. Claro que "robar aplausos" remite a robar cámara. En otras palabras: La gente que transita el repertorio obvio y remanido vive de la gloria ajena.

Se podrá argumentar que lo suyo es una manera de homenajear a los grandes del tango, que lo suyo tiene que ver con mantener viva la tradición y la gloria del género, pero también es cierto que muchas veces las interpretaciones no aportan nada nuevo, se instalan en la machietta y terminan conspirando contra el género, espantando a los que se acercan desprevenidos.
Volviendo a las letras, este año las Abuelas de Plaza de Mayo junto a la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación, lanzaron un Concurso llamado Tango x la Identidad, cuya inscripción cerró a fines de Agosto. En noviembre la Orquesta Nacional Juan de Dios Filiberto estrenará las obras ganadoras, musicalizadas por Raúl Garello, Osvaldo Piro y Néstor Marconi, en el Teatro Nacional Cervantes.
El año pasado fue Metrovías junto a la Biblioteca Nacional quienes convocaron a un concurso de letras de tango. En esa oportunidad se presentaron nada menos que 3250 autores. Según Shanton esto es apenas la punta del iceberg. Sin duda la cifra sorprende, dando cuenta de un fenómeno curioso: tantos autores no se corresponden con la cantidad de nuevos tangos interpretados efectivamente. ¿Esto implica mucha creación que no logra entrar al circuito de la difusión comercial? ¿hay cantidad con calidad? ¿Puede ser producto de la crisis?, digo: mucho romántico que se juega a ganarse un manguito concursando con una letra.. en fin la gente y su ciudad. Si pueden conseguir el artículo, que lamentablemente no figura on line, podrán leer como Acho Estol, Haidé Daiban; Alejandro Szwarcman; Adriana Varela; Alberto Muñoz; Eladia Blazquez; Jorge Gottling y otros opinan sobre este tema.
Por un lado los intérpretes que se arriesgan con temas nuevos no son muchos, por otro, el tango preferido por los turistas tienen más que ver con los clásicos instrumentales y bailables, que con el tango canción. No obstante todas son señales de la vitalidad de un género que sigue contando y cantando historias de Buenos Aires y su gente.
Pierro ha escrito temas para Raúl Lavié y es director de una asociación de letristas: LetraTango. que pone el acento en el tango canción y en los derechos de autor. Tema que dada la difusión que reclaman los nuevos autores habría que analizar a la luz de nuevas alternativas como las que propone Creative Commons con la figura de "algunos derechos reservados", ver al respecto la nota de Ariel Vercelli en Suri.
Otro de los temas es la relación del rock con el tango. Claro que coincidimos con que el rock se quedó con algunos de los tópicos del tango y los hizo propios. Pero, en esas increíbles vueltas que en el devenir del arte se dan, el nuevo tango parece ser el que proviene de ex rockeros. Entonces aparecen cosas como que la nostalgia de un pasado idílico se centra en el pasado rockero pero se canta como tango. Esto se refleja en letras como "Puñales de Plata" de Marcela Bublik "la calle sangraba con la historia/ y entre Tanguito, King Crimson y León/llenábamos con música y palabras/ lo que sabíamos y lo que no" . En palabras de Shanton: "es como que si el tango fuera el lenguaje correcto para sentir melancolía por el rock que fue". Para varios de los entrevistados esto tiene que ver con la comercialización del rock -la típica "se lo tragó el sistema"-. Para discutir.
Si hay cosas en las que este weblog funciona realmente como una bitácora son las "migas" en los post. Las señales que vamos dejando en el camino, para volver sobre estos temas en otro momento. Por ejemplo, en otro párrafo: "Todavía el tango es una herramienta para tratar de darle sentido a lo inconexo y expresar incomprensión , desorientación e inadaptación ante un mundo en cambio". que podríamos relacionar con otro que pertenece al apartado de Eladia Blazquez, "Los grandes Tópicos": se pueden encontrar tratados de filosofía en canciones de tres minutos". Tambien: "tal vez no haya ningún otro género en el mundo que defina tan bién a sus habitantes como el tango canción en toda su complejidad y diversidad". Todo esto lo dejamos para otra oportunidad. Vamos a otro punto del artículo que venimos comentando y que es el que anuncia el título del apartado de Jorge Gottling: "El tango y las mujeres". Refiere a la gran proporción de mujeres cantantes de tango: "en los últimos cuatro años se acercan cuatro mujeres por cada voz masculina". Más allá del análisis de Gottling, del porqué de esta moda, que ya había sido adelantada hace un año por Juan Bautista Duizeide, quién la describió poéticamente en su artículo "Peligro en el tango: Mujeres Cantando". Percantas, grelas, percantinas; papusas, paicas, namis, minas; sofaifas, naifas, milongas, milonguitas. ¿Habrá acaso otro género con tantas palabras para nombrarlas? , Lo cierto es que hay nuevas letras con una mirada femenina a las que hay que prestar atención. Como por ejemplo Claudia Levy por las letras de sus temas. En el sitio además de escuchar las nuevas letras, también se pueden bajar versiones de "Garúa" y "Nieblas del Riachuelo".
Un ejemplo de los nuevos aires que respiran las letras haciendo pie en la mirada femenina:

YO NO CREO(Mentime más) Letra y música:Claudia Levy Yo no creo que me quieras que tu amor sea verdadero en tus besos yo no creo ni en lo que me prometés, pero sé que sos un "capo" en mentirnos a las minas y que a mí con tus mentiras no me está yendo tan mal. Qué me importa si tu estilo lo copiaste de algún "langa" si las flores que trajiste las robaste acá nomás, para mí es muy divertido cuando te la das de artista y decís cosas tan lindas que me hacés sentir fatal! Mentime más, mentime bien, así la vida me parece un sueño. Mentime más,mentime bien así en tus brazos me olvido de él.

Sos tan chanta y caradura tan coqueto y deshonesto pero estás siempre contento seduciendo a los demás, te aprendiste de memoria en la escuela de la vida los piropos que a las minas nos encantan escuchar. Nadie sabe a ciencia cierta de dónde sacás la plata siempre de traje y corbata y una flor en el ojal en mis noches solitarias sos un ángel que me cuida y diciéndome mentiras me aliviás de mi penar Mentime más.....

También hay hombres que escriben para mujeres y algunos que escriben letras para que las canten sus propias mujeres, como en el caso de Alberto Muñoz

FLOR DE COBRE Letra y música:Alberto Muñoz Al gallito de la esquina se le pianta un pedazo de garganta! cuando ve en la madrugada como te vas mi amor... Te llevaste hasta la sombra de mi paso abandonado, y hasta el mate se ha lavado, de esperarte en el balcón. Se chifló la panadera que ve en la harina de tu ausencia, y las locas imprudencias que van a misa sin vos... Nunca fuiste mío flor de cobre! La piel de tu hermosura es un metal, una herida, que se clava en mi vestido hasta el filo de mis ojos que te pierden en el frío paraíso de la vida... que no quiso nada de mí

En el barrio, te desea hasta la monja que lava con una esponja las cenizas del pecado de imaginarte en la cruz... Y yo miro sobre el paño que la luna que se apaga el otoño en mi ventana se ha olvidado de la luz La calesita no gira, los caballitos se han ido y la sortija es la vida, que se me va sin tu amor Nunca fuiste mío flor de cobre! La piel de tu hermosura es un metal, una herida, que se clava en mi vestido hasta el filo de mis ojos que te pierden en el frío paraíso de la vida... que no quiso nada de mí

Entrevista a Alberto Muñoz en Clarín
Paréntesis:Me cambio de género por un momento: hay una irrepetible y muy buena versión de "Nieblas del Riachuelo" del CIGALA & BEBO. Claro que desde afuera del tango lo que puede ser difícil de digerir para los tradicionalistas. A ellos les recomiendo que lo escuchen como un homenaje realizado desde el flamenco. Esta semana se lo puede escuchar y ver en Buenos Aires junto al Chucho Valdéz (glorioso IRAKERE)Otros links:
En el departamento "La ciudad del Tango" del Centro Cultural de la Cooperación, los investigadores Ariel Sotelo y Roxana Rochi vienen trabajando en un archivo de letras.

Puñales de Plata Letra: Marcela Bublik . Música:Adrián Harbi Las noches de los viernes y el cuartito de la terraza de una casa sin patrón abrigaban lágrimas y sueños y una viola vomitando un rock and roll. Edad de fuego, implacables diecisiete. Las esquinas guardaban nuestra voz. Luna de Núñez, tus puñales plateados dejaron huellas que el tiempo no borró. La calle sangraba con la historia y entre Tanguito, King Crimson y León, llenábamos de música y palabras lo que sabíamos y lo que no. El misterio de un perfume que empezaba a tomar brillo y calor en nuestra piel, un beso torpe, un zaguán en las penumbras y el ladrido de un perro en el andén. Pibe de pan, me escribías tus poemas en servilletas de mesas de café. Por distintos caminos fue la vida, tus ojos tristes nunca más los encontré. Las heridas que en la carne me dejaron aquellos días de nacer a la pasión saben que vos encendiste el primer fuego, me inauguraste a la muerte y al amor.


Las letras ganadoras del Concurso de la Biblioteca Nacional y Metrovías Subte Vive

Grammy Latino para Ciudadana

Después de diez años de trabajar con el grupo Suburbio, María Estela Monti publicó su primer trabajo como solista Resultado: Una producción independiente nominada para el Grammy Latino: Ciudadana de María Estela Monti Se puede ver un video y bajar un par de fragmentos en MP3: "Nieblas del riachuelo" y "Viejo Tortoni".
La comprometimos a que nos cuente la historia de este disco. Más allá de que los criterios de la industria - norteamericana - pueden ser o no compartidos, lo cierto es que el hecho de que una producción independiente llegue a la nominación es bastante inusual. La industria de la música es una de las más "globalizadas" y los jugadores chicos están destinados a "no existir". Los otros nominados en el rubro tango fueron: Pablo Mainetti, María Volonté, la orquesta El Arranque y Gerardo Gandini fue quien finalmente ganó el premio.
Todos muy buenos artistas también.

Hegel y Las vacas

Con el enigmático título de El alma de Hegel y las vacas de Wisconsin, la Editorial Siruela acaba de editar uno de los libros sobre música más inteligentes, bien escritos y movilizadores producidos en los últimos tiempos. El filósofo y novelista italiano Alessandro Baricco encabeza su libro con dos citas (y de ahí el título). En la primera, tomada de las Lecciones de estética de Hegel, se habla de cómo la música eleva el alma por encima de sí misma. En la otra, a partir de un estudio de la Universidad de Madison, Wisconsin, se asegura que “la producción de leche de las vacas que escuchan música sinfónica aumenta en un 7,5 %”. Entre estos dos puntos, Baricco cuestiona la clasificación de “música clásica”, sus usos, la vacuidad de muchos de los hábitos sociales relacionados con ella, su supuesto valor intrínseco y, por primera vez, discute desde el lugar de la modernidad los rumbos tomados por la música a lo largo del siglo XX.

La música contemporánea, hoy, es sustancialmente una realidad mantenida en pie artificialmente. Es un organismo en coma que algunas máquinas homologadas mantienen con vida. Es curioso, pero en un mundo que está ya regulado por las leyes del mercado, una realidad como la de la música contemporánea, que comercialmente hablando es una ruina continua, consigue vivir en unas condiciones de digna seguridad. Es verdad que, en general, la música en su totalidad se mantiene en pie gracias a las inyecciones de dinero público que la eximen de compararse con las más cínicas y recalcitrantes reglas del mercado. Pero la lírica tiene un público, las obras de la gran tradición clásica tienen un público, hasta la música antigua tiene un público. Esto no basta para asegurarles una independncia económica sino que basta para justificar que se acuda en su ayuda. Lo bueno de la música contemporánea es que, se quiera o no, no tiene un público. Ni siquiera el terrorismo cultural de los años sesenta y setenta consiguió encauzar hacia ella auténticas pasiones. El público sigue sin entenderla, la evita, cuando la cosa va bien la tolera. Si se excluyen algunos grandes eventos y ela fortundo séquito de algunos, pocos, “maestros”, la vida cotidiana de la música contemporánea estea poblada de plateas semivacías. Es, de hecho, el objeto de deseo de una minoría absoluta.
Obviamente todo esto no quiere sonar, tout court, como un juicio sino que es la simple constatación de un fenómeno: el vistoso distanciamiento que se confirma ya desde hace tiempo entre música contemporeanea y público de la modernidad. Por otra parte, desde los tiempos en que Adorno le regaló la bella y astuta metáfora del manuscrito encerrado en una botella, la música contemporánea tiende a interpretar este aislamiento como un certificado de su propio valor. Y el público mismo, calladamente, sigue temiendo que la que tenga razón sea precisamente esa minoría ansoluta que ama la música contemporánea y que todos los demás padezcan una sordera de la inteligencia. Hay que estar atentos, porque precisamente aquí se encuentra uno de los pasos de riesgo sobre los que se ha edificado lo absurdo de la música contemporánea. Aquí no se trata de juzgar y mucho menos de intentar adivinar. Aquí se trata, de una vez por todas, de entender. […]

[…] Sesenta años de atonalidad han demostrado ya que el optimismo de sus padres era sólo una bella teoría: aunque lógica sobre el papel, no demostrable en la realidad. Despojado de las referencias a la tonalidad, el oído colectivo se pierde. Y no por taras culturales, sono por insalvables límites fisiológicos. No es tanto la mítica disonancia la que revoluciona el motor de la audición: aunque haya sido demostrada la ilusoria idea de que con el tiempo los armónicos lejanos pudieran entrar en la percepción auditiva con la misma naturaleza que los cercanos, la disonancia ha dejado de ser hace tiempo un verdadero obstáculo. El problema es otro, y tiene que ver con la organización de los sonidos.
Se quiera o no, la experiencia del acto de escuchar se basa en una dialéctica de previsión y sorpresa, de espera y respuesta. El que escucha deduce de cualquier fragmento de material que se le ofrece una gama de posibles desarrollos, según las leyes de una cierta organización de los sonidos, por ejemp la organización tonal. Obviamente es proclive a esperarse los desarollos más elementales y lógicos. La música le responde de dos posibles maneras: confirma ses previsiones, por ejemplo la de una cadencia perfecta, o le sorprende con desarrollos más elaborados pero de todas maneras internos a la organización establecida, por ejemplo con una modulación. Este juego de previsión y respuesta se repite de continuo mientras la música fluye. Es un mecanismo de placer que sigue saltando con repetición. Con el tiempo, la necesidad de conseguir sorprender a oídos cada vez más expertos empujó a los compositores a practicar combinaciones cada vez más elaboradas, acciones más complicadas: y es la historia, reconstruida con didáctica simplicidad por Webern, de la ampliación de la tonalidad y del uso exasperado del cromatismo. Donde el candor de Webern se convierte en ilusión es en su creencia de que el paso a la atonalidad forma parte, de manera indolora, de esta escalation de elaboraciones. No. La transición a la atonalidad era una manera de pasar página drásticamente. Porque ahí ya no era cuestión de encontrar inéditas combinaciones en el interior de una organización dada: ahí se trataba de aniquilar esa organización. […]

Ver artículo Diario:

Vercelli: La Conquista silenciosa

¿Conoce Ud. la frase "algunos derechos reservados? ¿No le suena un tanto extraña?
Mientras la tendencia parece ir hacia una mayor restricción en los intercambios de "bienes culturales" a través de Internet, otras cosas están sucediendo en el ciberespacio. Buenas Noticias! Ariel Vercelli ha publicado en su sitio arielvercelli.org la versión digital de su libro La Conquista Silenciosa de Ciberespacio: CREATIVE COMMONS y el Diseño de Entornos Digitales como Nuevo Arte Regulativo en INTERNET.
Altamente recomendable (no existen trabajos similares en habla castellana), Vercelli plantea y fundamenta su preocupación frente la regulación de internet. Las tecnologías de control, la cuestión del copyright (c), el software y las obras libres, el activismo digital y un capítulo especial sobre el probable impacto de Creative Commons en la Web y sus diferencias con el clásico sistema basado en los "derechos de autor".

También comentamos un artículo de SoftwreLibre: Gilberto Gil ha cedido los derechos de su canción "Oslodum" a la red mundial Creative Commons . Esta Organización no Gubernamental (ONG) permite la copia, recreación y distribución gratuita de obras online.

Fue unos días antes del lanzamiento de Creative Commons en Brasil, que nos juntamos con Vercelli, en el célebre Tortoni de la porteña Avenida de Mayo, para tomar un café y aprovechar para conversar sobre la amenazante proliferación de tecnologías de control y de cómo éstas pueden modificar la apertura que permitió el desarrollo de Internet. Le pregunté especialmente cómo, ideas como las de Creative Commons, podrían afectar, modificar, estimular, la actividad de los músicos.
Esa tarde de junio, Ariel uso el "Hecho en Buenos Aires" como pizarra para exponer sus ideas. Muchas de ellas están expuestas magistralmente en su libro y lo mejor de todo es que el mismo está disponible en Internet.
Su misma publicación responde a la filosofía de Creative Commons y la brillante idea de CC al desarrollar el concepto de "algunos derechos reservados" (Some Rights Reserved). La propuesta de CC implica una nueva forma de registrar las obras artísticas. En comparación el modelo conocido como copyright, resulta demasiado restrictivo. Por ejemplo no podríamos poner on line nuestra versión de cualquier tema sin autorización (no tanto del autor que puede estar de acuerdo sino de la entidad que "resguarda" los intereses de los autores.
En el sistema de CC los autores son quienes deciden hasta dónde licencian y que uso permiten de sus trabajos. Un escritor puede permitir que su obra se distribuya libremente mientras no tenga fines comerciales; también que los usuarios puedan modificar la versión digital de su obra siempre y cuando citen su origen.

Este artículo que publicó Software Libre es interesante para aquellos que, antes de abordar el libro de Vercelli, quieren saber como funciona el sistema de CC.
El marco de protección legal a los derechos de autor, así como el "sistema de patentes", están siendo cuestionados en distintos ámbitos. En este caso nada menos que el actual ministro de Cultura brasileño, Gilberto Gil, cedió los derechos de una de sus canciones a la red mundial Creative Commons.

Para los músicos aquí va el link a los ejemplos en CC http://creativecommons.org/learn/artistscorners/musicians

La vuelta al Moog y Odisea 2001

Moog recuperó los derechos para empezar a vender sintetizadores con su nombre. Cuarenta años atrás, el ingeniero y físico de Nueva York Bob Moog empezó a hacer los primeros sintetizadores comerciales del mundo. En una década, transformaron radicalmente el sonido y la textura de la música, se convirtieron en un elemento indispensable del jazz y la fusión, y sentaron las bases de una decena de géneros diferentes conocidos en conjunto como "electrónicos".

Artículo completo de Noah Shachtman en Wired en Castellano "Llega el renacimiento del Moog"
¿La vuelta a lo analógico? ¿Alguien se acuerda del Theremin?

La noche del martes 17 de mayo, algunos de los ejecutantes más famosos de Moog se dieron cita en Times Square para rendir homenaje a esta máquina fundacional. No me extrañaria que Jorge Mondragón, aquel tecladista con quíen disfrutamos de una banda efímera pero revolucionaria "Absentia" estuviera entre los presentes. Jorge vive en esa ciudad desde el 75. Su exilio es un caso bastante particular ya que sus padres vivían en Nueva York desde hace años. Jorge fue el primer músico en tener un Minimoog en Argentina. Tanto es así que otros músicos le solicitaban que tocara o que se los prestara o alguilara. Desde Lito Vitale al malogrado candidato a vice del 99 (Palito Ortega). Todos acudían al fantástico instrumento que, gracias a "los viejos", Jorge había traído desde NY.
Con Moriyasu Kohakura, hoy convertido en artista plástico, en el grupo Absentia y con Goyi Alzaibar, Ernesto Borgnino, Guillermo Barés en otra banda que sonó mucho y dió bastante que hablar: "Avante Phylum" integrada mas o menos equitativamente por musicos del Sur del conurbano bonaerense (Banfield, Llavallol) y del Oeste (Castelar, Haedo) respectivamente.
Tanto en uno como en otro grupo la fascinación por el instrumento fue determinante para el estilo de música que hacíamos. Nos metimos de lleno sin cuestionamientos filo o tecnofóbicos. Parecía ser el instrumento ideal para materializar ciertos principios y actitudes como la búsqueda de un sonido propio, el color local, la originalidad, la novedad, el incorformismo...

En el artículo de Shachtman el tecladista del grupo de Rock sinfónico YES dice que: "Hasta que llegó Bob Moog, nosotros (los tecladistas) estábamos ocultos en el fondo. Nos dio un instrumento que puede cortar el cemento y aterrar a los guitarristas". En aquella época YES nos había encandilado, hoy sólo puedo sonreir con ternura al recordarlos, pero no los volvería a escuchar.

La cuestión es que, después de una larga batalla legal, Bob Moog recuperó los derechos para empezar a vender sintetizadores con su nombre. El momento no pudo haber sido mejor. Después de años a la sombra de los teclados digitales y los sintetizadoes basados en software, los gruesos bajos y los penetrantes agudos de los teclados analógicos han vuelto a la palestra. Un gran momento.

"Este año, en una convención reciente, hubo más empresas exhibiendo sus sintetizadores analógicos, que en cualquier otro momento desde los años 70, o tal vez más que nunca", informó la revista Keyboard. "Mientras tanto, cada empresa que presentaba un sintetizador digital se desesperaba por explicar lo 'analógico' que sonaba".
Las entrañas de la máquina eran sencillas desde el punto de vista técnico: una serie de osciladores, cada uno de los cuales producía tonos, como la simple onda sinusoidal. Un teclado o una cinta metálica controlaba el tono. Ajustar las perillas o modificar los cables podía hacer que el tono cantara lento como una tortuga o rápido como un colibrí, o bien transformar ese sonido sinusoidal redondo en un sonido entrecortado o continuo. Luego se podían aplicar filtros para despojar el tono de todo lo accesorio salvo los estruendos más bajos o los agudos más penetrantes. Recuerdo haber pasado noches enteras con Jorge moviendo perillas para descubrir increíbles universos sonoros.

Para profundizar en el impacto que el Moog provocó, nada mejor que la página de Trevor Pinch, quién, entre otras cosas, califica al aparato como "inmenso y enormemente caro: tanto como una casa pequeña". Pinch es autor de Analog Days: The Invention and Impact of the Moog Synthesizer
(La época analógica: la invención y el impacto del sintetizador Moog).
La foto es gentileza de http://www.moogarchives.com
y se trata del compositor Eric Siday y un Moog del año 1964.
Bienvenidas las anécdotas respecto al simpático Moog que quieran enviarnos.

Respecto a la noche del martes en NY, fue el casi desconocido, Steve Molitz, de Jam Particle, el responsable de mostrar de qué es realmente capaz el Moog. Interpretó una versión funk de Also Sprach Zarathustra (el tema de 2001: Una Odisea Espacial).
Según la crónica de Shachtman, el músico hizo un solo tan profundamente sensual que el público tuvo que buscar en sus calzones para sacarlo. Y entonces trepó al más alto de los registros, descorchando una serie de tonos extraterrestres que sólo podrían describirse como un viaje con ácido de R2D2. Cuando bramaban las notas finales de la fanfarria, los pitidos del Moog de Molitz llegaron al paroxismo. El público gritó y silbó. Y repentinamente la magia había vuelto a nacer"
Otros interesantes artículos de Noah Shachtman sobre diversos temas pueden encontrarse en Más Historias
Para acceder directamente a la página de Moog
Bob Moog nunca dejó de fabricar theremines. Según una entrevista publicada en el sitio AMAZINGS http://www.amazings.com/articulos/articulo0036.htmlempezó a producirlos con fines comerciales en 1954. En sus palabras "Después de 1964, mi compañía estaba muy ocupada haciendo sintetizadores, y el público se olvidó del theremin por un tiempo, de modo que hice muy pocos theremines entre 1965 y 1978. Desde 1978 hasta, más o menos, 1990, hubo muy poco interés por el theremin, aunque hice varios de encargo. En 1991, la atención hacia el theremin volvió a resurgir, de manera que preparé un nuevo diseño, el de la gama Big Briar Series 91. En 1996, publiqué un artículo sobre cómo construir un theremin en la revista Electronic Musician, y éste se convirtió en la base para nuestro popular theremin Etherwave".

SXSW 2004 Music Festival

En la edición 2004 del festival, que se desarrolló del 17 al 21 de marzo, casi 600 músicos proporcionaron archivos MP3 de su trabajo para fueran incluidos gratuitamente en el sitio web de South by Southwest.
Los diferentes artistas autorizaron ofrecer las pistas de este modo como parte de la promoción del Festival South by Southwest. Esto implica cambios en la promoción y distribución de música que seguramente no serán del agrado de las discográficas. Al estar disponible online el audio, la gente puede encontrar música que no conoce y al mismo tiempo es un buena forma de promoción para los músicos.

No es la primera vez que este festival de música viene ofreciendo su colección de temas en forma gratuita. Pero este es el primer año que la aplicación para compartir temas musicales se ofreció gratis a cualquiera que utilice los puntos de conexión inalámbrica que hay en Austin. El webmaster de SXSW David Rose empleó componentes de software de fuente abierta para crear y poner en servicio el programa.
Un nuevo programa de radio proporcionó un stream continuo de todos los temas alojados en el sitio web SXSW, aleatoriamente. Incluyendo streams de radio en vivo con interpretaciones y entrevistas emitidas desde los diferentes lugares en los que se desarrolló el festival de Austin. No se pueden comprar los temas a través del sitio SXSW, que en cambio ofrece links a los sitios web de los intérpretes correspondientes para obtener información sobre cómo adquirir las canciones. Reproducimos algunos daatos para tener una idea de la magnitud del festival: 1.280 actuaciones en 60 escenarios distribuidos en el centro de Austin. Se acreditaron más de 7.000 músicos, managers, profesionales de los medios y la industria; 14.000 personas compraron entradas. Desde las 8 p.m. hasta las 2 a.m. cada hora y durante cinco días una banda tras otra ocupaba el escenario. Grupos de distintos géneros y estilos relacionados con la escena musical norteameriaca, desde el country hasta el bluegrass, metal, punk, y rock se turnaron. La posibilidad de que los sellos independientes puedan promocionar a sus artistas en la radio, ahora se alcanza a través de la Web.
Keith Shepard, de Pilot Radio, una banda de Texas, que participa del SXSW por segunda vez dijo: "Es más lo que hizo por la industria de la música que lo que le quitó".
Más información en el sitio oficial del festival http://www.sxsw.com
Comentarios sobre el Festival en Wired en castellano http://us.terra.wired.com/wired/cultura/0,1155,25920,00.html
http://us.terra.wired.com/news/mp3/0,1267,25875,00.html

Peter Gabriel, Brian Eno y MUDDA

Los veteranos del rock Peter Gabriel y Brian Eno lanzaron en Cannes (Francia) una nueva y provocativa alianza de músicos que iría contra los intereses de la industria al permitir que los artistas vendieran su música online en vez de hacerlo exclusivamente a través de los sellos discográficos.
Con la transformación de los modos en que la gente compra y escucha música en Internet, los músicos necesitan actuar ahora para apropiarse del futuro de la música digital, sostuvieron Gabriel y Eno este lunes, al tiempo que repartían un delgado manifiesto rojo, en el marco de una importantísima feria destinada a la negociación de contratos musicales conocida como Midem.

El nombre del plan es "Magnificent Union of Digitally Downloading Artists" (MUDDA, Unión Magnífica de Artistas que se Descargan Digitalmente), cuyas siglas en inglés tienen un tono menos solemne que su nombre entero.
"A menos que los artistas se apresuren para aprovecher las posibilidades que tienen en la actualidad, se van a empezar a establecer la reglas y esas reglas se van a escribir sin mucha participación de los artistas," dijo Eno, quien tiene una larga historia de experimentación con la tecnología. Al sacar de la ecuación a las discográficas, los artistas pueden fijar sus propios precios y establecer sus propias prioridades, señalan los dos músicos independientes, que esperan poder lanzar la alianza online dentro de un mes.
Su panfleto enumera ideas para que los artistas exploren, tras liberarse de los confines del formato CD. Podrían optar por emitir un minuto de música todos los días durante un mes. O podrían publicar varias variaciones grabadas de la misma canción y preguntarles a los aficionados cuál les gusta más.
Gabriel, que tiene un sello propio, Real World Records, indicó que su intención no es cerrar las compañías discográficas: lo único que quiere es brindarles más opciones a los artistas. "Hay artistas que ya trataron de hacer todo ellos por su cuenta," apuntó, agregando que esos músicos suelen darse cuenta de que no les gusta el marketing o las cuentas. "Creemos que va a haber todo tipo de modelos para esto."
Un representante del emprendimiento señaló que otros músicos habían manifestado interés por participar de la alianza, pero no dio nombres. Una banda que encontró su nicho online es la banda de sesiones Phish, que vende descargas de sus conciertos en un visitado sitio web.
La relación de la banda con sus fans más devotos suele compararse con la de los Grateful Dead, y el sitio es una opción más para tener un contacto cercano. Pero también genera una gran cantidad de dinero: más de 2,25 millones de dólares en ventas desde 2002.
Lo que impulsa al movimiento es el éxito alcanzado por sitios de descargas legítimos como la tienda musical por Internet de Apple, iTunes, que vende temas por 1 dólar cada uno en Estados Unidos.
Tanto Gabriel como Eno comenzaron sus carreras como músicos en la década de 1960 y siguen ejerciendo una gran influencia.
Como forma de ayuda para artistas nuevos, su inciativa "sin dudas será algo valioso e interesante," comenta Josh Bernoff, analista principal de la firma de investigación de mercado Forrester Research, con sede en Cambridge, Massachusetts.
"Pero para alguien que (ya) tiene contrato, es muy probable que se trate de una violación de sus obligaciones contractuales," dice Bernoff, quien habló en la feria durante el fin de semana. "No sirve a los intereses de una empresa discográfica que haya mucha música por ahí sin que ellos tengan control alguno."
Gabriel es co-fundador de una empresa europea, On Demand Distribution, que opera sitios de descargas legales en 11 países de Europa.
La empresa suministraría la tecnología para MUDDA, aunque Gabriel y Eno están buscando socios online. Los sitios europeos todavía no tuvieron el éxito de los portales estadounidenses de su tipo. iTunes, de Apple, por ejemplo, planea empezar a operar en Europa en el curso de este año; se espera que la novedad cree interés en la descarga legal en un mercado donde muchas personas ni siquiera son conscientes de que existe tal cosa.
Como tanto los sitios legales como los ilegales ofrecen temas a la carta, muchas personas del sector creen que gracias a ellos, los álbumes se volverán cada vez menos importantes porque el énfasis recaerá en los singles pegadizos.
Eno y Gabriel sugirieron que no les disgustaría tener la oportunidad de hacer canciones que se pongan a la venta como singles. "Soy un artista que trabaja tremendamente lento," explicó Gabriel. "Si algunas de esas (canciones) se pudieran poner a la venta, no hace falta quedar tan atrapado en la vieja forma, de limitarse sólamente al ciclo del álbum."
El ex-cantante de Genesis y promotor de la world music tiene interés en ofrecer online múltiples versiones de una misma canción. También espera poder oír piezas inconclusas de otros artistas.
"En la actualidad hay una tendencia ... a tratar de encontrar un momento en que la canción está lista. Uno clava el alfiler sobre la mariposa y la pone en una caja y vende esa caja," ilustró. "En realidad, la música es una cosa viva que evoluciona."
Wired en Castellano

Peter Gabriel, Brian Eno y MUDDA

Los veteranos del rock Peter Gabriel y Brian Eno lanzaron en Cannes (Francia) una nueva y provocativa alianza de músicos que iría contra los intereses de la industria al permitir que los artistas vendieran su música online en vez de hacerlo exclusivamente a través de los sellos discográficos.
Con la transformación de los modos en que la gente compra y escucha música en Internet, los músicos necesitan actuar ahora para apropiarse del futuro de la música digital, sostuvieron Gabriel y Eno este lunes, al tiempo que repartían un delgado manifiesto rojo, en el marco de una importantísima feria destinada a la negociación de contratos musicales conocida como Midem.

El nombre del plan es "Magnificent Union of Digitally Downloading Artists" (MUDDA, Unión Magnífica de Artistas que se Descargan Digitalmente), cuyas siglas en inglés tienen un tono menos solemne que su nombre entero.
"A menos que los artistas se apresuren para aprovecher las posibilidades que tienen en la actualidad, se van a empezar a establecer la reglas y esas reglas se van a escribir sin mucha participación de los artistas," dijo Eno, quien tiene una larga historia de experimentación con la tecnología. Al sacar de la ecuación a las discográficas, los artistas pueden fijar sus propios precios y establecer sus propias prioridades, señalan los dos músicos independientes, que esperan poder lanzar la alianza online dentro de un mes.
Su panfleto enumera ideas para que los artistas exploren, tras liberarse de los confines del formato CD. Podrían optar por emitir un minuto de música todos los días durante un mes. O podrían publicar varias variaciones grabadas de la misma canción y preguntarles a los aficionados cuál les gusta más.
Gabriel, que tiene un sello propio, Real World Records, indicó que su intención no es cerrar las compañías discográficas: lo único que quiere es brindarles más opciones a los artistas. "Hay artistas que ya trataron de hacer todo ellos por su cuenta," apuntó, agregando que esos músicos suelen darse cuenta de que no les gusta el marketing o las cuentas. "Creemos que va a haber todo tipo de modelos para esto."
Un representante del emprendimiento señaló que otros músicos habían manifestado interés por participar de la alianza, pero no dio nombres. Una banda que encontró su nicho online es la banda de sesiones Phish, que vende descargas de sus conciertos en un visitado sitio web.
La relación de la banda con sus fans más devotos suele compararse con la de los Grateful Dead, y el sitio es una opción más para tener un contacto cercano. Pero también genera una gran cantidad de dinero: más de 2,25 millones de dólares en ventas desde 2002.
Lo que impulsa al movimiento es el éxito alcanzado por sitios de descargas legítimos como la tienda musical por Internet de Apple, iTunes, que vende temas por 1 dólar cada uno en Estados Unidos.
Tanto Gabriel como Eno comenzaron sus carreras como músicos en la década de 1960 y siguen ejerciendo una gran influencia.
Como forma de ayuda para artistas nuevos, su inciativa "sin dudas será algo valioso e interesante," comenta Josh Bernoff, analista principal de la firma de investigación de mercado Forrester Research, con sede en Cambridge, Massachusetts.
"Pero para alguien que (ya) tiene contrato, es muy probable que se trate de una violación de sus obligaciones contractuales," dice Bernoff, quien habló en la feria durante el fin de semana. "No sirve a los intereses de una empresa discográfica que haya mucha música por ahí sin que ellos tengan control alguno."
Gabriel es co-fundador de una empresa europea, On Demand Distribution, que opera sitios de descargas legales en 11 países de Europa.
La empresa suministraría la tecnología para MUDDA, aunque Gabriel y Eno están buscando socios online. Los sitios europeos todavía no tuvieron el éxito de los portales estadounidenses de su tipo. iTunes, de Apple, por ejemplo, planea empezar a operar en Europa en el curso de este año; se espera que la novedad cree interés en la descarga legal en un mercado donde muchas personas ni siquiera son conscientes de que existe tal cosa.
Como tanto los sitios legales como los ilegales ofrecen temas a la carta, muchas personas del sector creen que gracias a ellos, los álbumes se volverán cada vez menos importantes porque el énfasis recaerá en los singles pegadizos.
Eno y Gabriel sugirieron que no les disgustaría tener la oportunidad de hacer canciones que se pongan a la venta como singles. "Soy un artista que trabaja tremendamente lento," explicó Gabriel. "Si algunas de esas (canciones) se pudieran poner a la venta, no hace falta quedar tan atrapado en la vieja forma, de limitarse sólamente al ciclo del álbum."
El ex-cantante de Genesis y promotor de la world music tiene interés en ofrecer online múltiples versiones de una misma canción. También espera poder oír piezas inconclusas de otros artistas.
"En la actualidad hay una tendencia ... a tratar de encontrar un momento en que la canción está lista. Uno clava el alfiler sobre la mariposa y la pone en una caja y vende esa caja," ilustró. "En realidad, la música es una cosa viva que evoluciona."
Wired en Castellano

Los 6500 nombres de Dios

Por William Ospina
Hay un pueblo de Australia cuya lengua tiene una palabra precisa para nombrar el olor de la lluvia. Hay un pueblo en el Vichada cuya lengua tiene una palabra precisa para nombrar la enfermedad que produce la belleza, el deslumbramiento y la extrañeza desmesurada. Hay 6.500 lenguas resonando hoy en el mundo, y en cada una de ellas incontables sabidurías particulares, descubrimientos únicos que son fruto de la sensibilidad de cada pueblo, y que son para los otros sorprendentes e intraducibles.

Los hijos del trópico difícilmente entendemos que los esquimales tengan muchas palabras distintas para saludar la nieve. Pero, claro, vista de lejos la nieve es sólo una cosa repetitiva y blanca; en cambio, quien tiene contacto con ella cada día aprende a percibir sus matices, su casual proximidad al agua, al fango, al hielo o a la escarcha. Cuántas palabras no tendrán los hombres del norte de África para nombrar la arena, ese mar opaco y seco que vuela en bruma y cubre con su gasa rojiza las ciudades distantes.. Roma tuvo abundantes palabras para nombrar perfidia y ambición, los interminables alegatos de la propiedad y las sutilezas recónditas de la voluptuosidad. Grecia halló un cielo que nadie había visto y lo instaló en la historia gracias a la elocuencia de Platón para discurrir sobre lo intangible. Francia enriqueció la vida de Occidente con famosas abstracciones que llegaron a ser imperativos y evidencias. Alemania llegó a convertir los matices del pensamiento en cosas tan nítidas, que un filósofo alemán puede percibir un concepto arduo y difuso con la misma facilidad con que nosotros imaginamos un círculo o un prisma.

El castellano ha sido uno de los idiomas más hospitalarios del mundo.. Hijo del griego y del latín, se llenó de árabe en los siglos de la ocupación mora de la península, y hoy no lo concebiríamos sin sus alfanjes, sus almohadas, sus alcázares y ese azul que lo llena todo. El siglo de oro le trajo la música del italiano, el modernismo lo llenó de la música del francés, cadencias y delicadezas de Verlaine que nos ayudaron a hacernos más sutiles, más irónicos y más alegres. Una parte considerable del diccionario de la Real Academia está ocupado hoy por palabras indígenas americanas, y no todas esas palabras son tan inquietantes como caníbal o linchar: también son aportes de América las hamacas y los huracanes, las canoas y los manglares, el tomate y el chocolate, el maíz y la guanábana, la piragua y el ají, el jaguar y el tiburón. El castellano es hoy la tercera lengua entre las más habladas del mundo. Según nos cuenta la revista Time, después del mandarín, que hablan 726 millones, y del inglés, que hablan 427 millones en todo el mundo, nuestra lengua es hablada hoy por 350 millones de personas, y es una poderosa lengua planetaria. Veinte países distintos y vecinos hablamos y creamos en la misma lengua sin dialectos, y sólo hay un caso de tantos países vecinos con una lengua común: el mundo árabe, aunque tal comunidad es sólo escrita, porque esos países no se entienden hablando, tan diversa es la pronunciación de un país a otro.

En el Asia hay 2.000 lenguas, 2.000 en África, 1.300 en el Pacífico y casi 1.000 en América, pero de todas las lenguas del mundo, al parecer la mitad habrá muerto antes de que pase una generación. De acuerdo con ese anuncio terrible, el auge de las grandes lenguas planetarias, que tantas cosas provechosas significa, trae también el avance avasallador y hegemónico y de unas culturas y unos modelos de vida sobre la maravillosa diversidad humana.. La idea arrogante de que las lenguas poderosas son suficientes para la civilización y de que las lenguas menores deben perecer es, en el campo del lenguaje, el equivalente tremendo del fascismo, y parece ser bien recibida en muchos círculos. Pero la muerte de una lengua, con sus destrezas y sus retóricas, con sus rezos, sus poemas y sus cantos, es tan grave como la muerte de una especie viviente, y es bueno saber que de las 1.000 lenguas de
América, en Colombia se hablan por lo menos 60: también aquí nuestra diversidad es enorme. Amo la lengua castellana; no ignoro que nuestro deber es fortalecerla y depurarla, pero no considero eso incompatible con el orgullo de saber que hay en nuestro país 60 lenguas llenas de secretos, de sabiduría, de músicas y de profundo contenido humano.

Ojalá nuestra lengua, que pudo ser para siempre meramente imperiosa y arrogante, siga fiel a esa vocación que le permitió recibir aportes del árabe y del italiano, del francés y del inglés, del taíno y del arhuaco, del azteca y del quechua y del guaraní. Ojalá, nosotros, que hemos visto y padecido tantas imposiciones, sepamos comprender y conservar nuestros tesoros culturales, para que ese tercer lugar entre las lenguas del mundo no sea un mero dato estadístico, sino el signo de un estilo vital, la evidencia de una verdadera civilización.
Para conocer más de este poeta colombiano ver aquí

Rubios, Tangos y Milongas

De como alguna de las cosas que hacemos bien impresionan en aquellos lugares donde todo "parece" ya estar hecho.
El último domingo del 2003 tuvimos el placer de ver un más que interesante documental que registraba a importantes músicos argentinos dando clases de tango y folclore en el Conservatorio de Música Ritmica de Dinamarca. Nos enteramos gracias a una nota de Karina Micheletto publicada un día antes en Página 12, que anunciaba el documental del periodista Néstor Machiavelli en Canal (á). Tangueros y folkloristas, los músicos que viajaron a dar una semana de clases intensivas, fueron Aníbal Arias, Osvaldo
"Marinero" Montes, Fernando Suárez Paz, Alfredo Sáez, Verónica Condomí, Facundo Guevara, Oscar Moreno Palacios, Daniel Falasca, el Negro Aguirre, Ricardo Lew y Ernesto Snajer.
El coordinador y artífice del encuentro, que se realizó en Copenhaguen, en octubre del 2003, fue el guitarrista argentino Ernesto Snajer. En un artículo de Clarín del 23/12/03 el mismo cuenta que "el conservatorio le dedicó este año una semana a la música argentina. Una vez por año cierran el conservatorio, paran las clases regulares y hacen este trabajo de aprendizaje de la música de diferentes culturas, ya lo habían hecho con Cuba y con algunos países africanos.

El conservatorio es un verdadero paraíso: tiene 150 salas en tres pisos, cada una con dos pianos; en un lugar hermoso junto al mar. Los alumnos tienen muy buen nivel. Como coordinador convoqué a los músicos para que fueran a dar clases durante una semana. La intención de ellos, en un principio, era la de hacer una semana dedicada al tango, pero yo propuse incluir todos los ritmos argentinos; para Argentina es difícil exportar otra cosa que no sea tango. Les mostré el universo que hay más allá del tango y les interesó aprender. Cada uno tenía un grupo a su cargo —quintetos o sextetos integrados por úsicos de muy buen nivel— y desarrollaba un programa que se presentó el último día en una especie de maratón musical. El teatro del conservatorio es una sala maravillosa. Tocamos desde las 3 de la tarde hasta las 3 de la mañana".
La cuestión es que los argentinos mostraron su música, pasaron yeites y técnicas y los daneses terminaron haciendo un concierto en el cual inteerpretaron entre otros: A media luz o el gato Sencillito y de alpargatas, claro que con algunos errores de pronunciación, por supuesto, pero con gran capacidad interpretativa. El Conservatorio de Música Rítmica, es una academia estatal a la que sólo ingresan aquellos alumnos que pasan una serie de exigentes exámenes. Una vez que ingresan todos los estudios corren por cuenta del estado. El periodista Néstor Machiavelli viajó hasta allí junto a la productora Cecilia Sainz y registró el encuentro en más de veinticinco horas de filmación.
Todos se sorprendieron con la rapidez con que los alumnos captaron lo que se les pasó, y la buena formación que tenían. ""Aprendían velozmente hasta las letras, y estudiaban mucho de un día para el otro", cuenta Machiavelli. "Al principio estudiaban los temas por fonética, después rápidamente captaban las letras, se hacían gestos cómplices. Y sonaba mucho mejor cuando sabían lo que estaban diciendo".
Para Ernesto los músicos daneses tuvieron oportunidad de conocer los ritmos argentinos, cuenta que: "Nadie aprendió un estilo en profundidad, una semana no alcanza. Pero estoy seguro de que a más de uno le picó la semilla de investigar nuestros ritmos".
Dinamarca es uno de esos países donde el 80 por ciento de las cosas están resueltas; la gran preocupación de los daneses es encontrar motivación, sentir ganas de descubrir cosas nuevas. En ese sentido, la semana fue un éxito.
Snajer está presentando en Argentina su disco "Guitarreros"a dúo con Palle Windfeldt, el músico danés. El trabajo fue producido por el excelente músico brasileño Egberto Gismonti. Rescatamos de la entrevista de Clarín el párrafo de Gismonti porque hace a una de los tópicos más frecuentes en el Conservatorio Julián Aguirre de Banfield, con nuestros alumnos de la cátedra de Teorías de la Percepción y de la Comunicación: "Le di un disco a la salida de uno de sus shows; me contestó con un fax a los diez días. Dijo que el material le había gustado mucho y preguntó si teníamos temas disponibles para editar. Le contesté que no, pero que si quería podía averiguar si se podía comprar los dos discos que teníamos editados. Después de cuatro años de idas y vueltas me pidió que fuéramos a Brasil.(...) Cuando llegamos nos sentó y nos dijo: - Ustedes son muy buenos músicos, ya saben de música lo que hay que saber así que no vamos a hablar de eso. Vamos a hablar de lo que no saben: un buen compositor tiene que poder vivir bien de su música, si no puede es porque le falta organización - . Me enseñó a producir, a mirar la música no sólo desde una perspectiva romántica, sino como un medio de vida".
Toda una definición. Seguramente a eso apuntaba Gismonti. La visión romántica de la música está mucho más extendida de lo que parece. Son muchos los que aún hoy siguen atados a la idea que se tenía del arte en el siglo XIX. Ya entrado el siglo XX esta perspectiva es subsidiaria de la Teoría Crítica, y del Adorno más severo. Sin embargo, frente a la complejidad de los fenómenos actuales, su visión acerca de un arte puro y no contaminado por el consumo, no deja de ser tomada hoy en día, de manera contradictoria y asincrónica. Por ejemplo quienes de alguna manera se identifican con las posturas de la teoría crítica no dejan su reproductor de MP3 para manifestar en contra de la globalización. Consumen música, artefactos y espectáculos producidos por una de las industrias más globalizantes del planeta: la industria del entretenimiento.
De los cambios producidos en la(s) cultura(s), desde mediados del siglo XX y a partir de una serie de innovaciones tecnológicas que convirtieron a los medios en lo que todos "podemos ver y oir hoy" parece no haber registro. Para algunos autores, como Armand Mattelart, la vigencia de esta postura no es ajena a una visión elitista y dice: "Ahora bien, cabe preguntarse en que medida la cultura de masas no está estigmatizada también en Adorno y Hockheimer porque su proceso de fabricación atenta contra una cierta sacralización del arte. De hecho es difícil no oir en su texto el eco de una vigorosa y docta protesta contra la intrusión de la técnica en el mundo de la cultura. El escollo parece ser la reproductibilidad técnica de la que habla Benjamin. Sin duda el modo industrial de producción de la cultura la amenaza con la estandarización con fines de rentabilidad económica y de control social. La crítica legítima a la industria cultural no deja de estar estrechamente ligada a la nostalgia de una experiencia cultural libre de ataduras de la técnica". En definitiva la función del arte ha cambiado y hoy es parte del entretenimiento. No estoy diciendo que hay que bajarle el valor a la música para adecuarla a las demandas del mercado. Digo que el arte es hoy objeto de consumo y es parte del entretenimiento. Allí va también la "cultura".
Volviendo al documental en Dinamarca se conocen más los ritmos de Brasil y de Cuba. Dentro del tango, lo que suena primero, como en todo el mundo, es Piazzolla. Como en todo el mundo también, los daneses están empezando a ir más allá de Piazzolla, es decir, más atrás y más adelante de Piazzolla.
La idea del documental surgió casi de un día para el otro a partir de una entrevista que Machiavelli le hizo a Moreno Palacios: (...) "al día siguiente estábamos sacando los pasajes con Cecilia Sainz: Fue una quijotada, porque no sabíamos si íbamos a recuperar lo que estábamos invirtiendo. Pero para nosotros era importante presenciar ese encuentro de culturas".
El periodista, ya hizo otros trabajos sobre daneses residentes en la Argentina.
Ahora, hay otros proyectos que surgen de esta experiencia. Canal (á), donde Machiavelli tendrá a su cargo un ciclo semanal, emitirá otros documentales que surgieron en la capital de Dinamarca, con historias de algunos de los maestros que viajaron.
El conservatorio danés tiene planeado traer a los estudiantes para que sigan aprendiendo en la tierra del tango y la chacarera. Y para que den un concierto conjunto con sus maestros argentinos. Esperemos que así sea y "a juzgar por lo que se escucha en el documental, estarán a la altura de la ocasión".

Para ver el artículo completo de Página 12
Para ver la nota a Ernesto Snajer en Clarín
Si quieren saber más sobre Ernesto Snajer
Encontramos una página con fotos del encuentro, tardan un poco en bajar pero están buenas
Kroner Music

David Byrne ¿Quién escribió esto?

Inteligentes reflexiones sobre el proceso creativo y de cómo se ve la propia obra a la distancia..

Nota de Rodrigo Fresán a propósito del lanzamiento de la Antología de los Talking Heads en el Suplemento RADAR (Página 12) del domingo 21/12/03
"En el proceso de ensamblar esta antología de Talking Heads fue inevitable que me encontrara con muchas páginas llenas de letras que nunca llegaron a utilizarse. Hay un montón de ellas, y todas ellas están escritas en una vieja máquina de escribir... siempre en mayúsculas. Aquí va una muestra:

HE AQUI EL SONIDO QUE HACEN LAS FOTOGRAFIAS / CUANDO LAS MIRO / CUANDO LAS OIGO

Texto incluido en el libro que acompaña a la antología Once In a Lifetime. Traducción de Rodrigo Fresán. El texto es un recuadro de la nota principal Psycho killers, bebés insomnes y mujeres voladoras

(...) "Al leerlas ahora me doy cuenta de que jamás podría volver a escribir cosas parecidas salvo que me propusiera hacer una parodia de mí mismo.
(...) No puedo volver a ese lugar otra vez. Ahora me parecen los delirios de alguien viviendo en un estado alterado. Pero no es un estado que yo pueda revisitar con la ayuda de drogas o el manual de instrucciones de un
determinado proceso creativo. Sólo puedo regresar como un lector, como un visitante. Espero poder resucitar algo de esta forma de escribir, porque ahora para mí es como si se tratara de algo que me regala alguien que no conozco. Y esa persona que no conozco soy yo.

Texto incluido en el libro que acompaña a Once In a Lifetime. Traducción de Rodrigo Fresán.

Byrne también ha aparecido recientemente en distintas publicaciones a partir de su reivindicación del Power Point como medio de arte. Su comentario no ha pasado inadvertido por la gente de Microsoft, que seguramente habrá visto el filón, pero para Byrne uno de los secretos es saber usar los defectos del programa: "Yo estaba haciendo lo mismo, convirtiendo los defectos del PowerPoint en virtudes. Hay cosas que no hace bien... pero a mí me gustaba la forma en que trataba de hacerlas y fracasaba. Sé que ahora hay versiones más nuevas de ese software que solucionan esos inconvenientes, pero yo me voy a quedar con la versión vieja".

El músico de declaró en un reciente reportaje publicado en Wired que "la cultura estadounidense se está convirtiendo en una cultura del espectáculo. Estamos rodeados por el espectáculo, de la misma forma en que el Imperio Romano recurrió al pan y el circo para ocultar otras cosas que estaban sucediendo".
En el artículo se señala que sus presentaciones de arte transforman el discurso comercial en un sinsentido y cuestionan si la forma de lo que comunicamos puede incidir en la verdad del enunciado: rebeldes diagramas de flujo que circulan en sentido inverso, pantallas que desbordan de clip art fuera de control, las prestaciones contractuales y los materiales promocionales para el cliente adoptan nuevos y surrealistas roles, y las viñetas renegadas asaltan al observador con una ráfaga de disparos. Algo de esto pueden ver aquí
En cambio Edward Tufte la emprende contra el PP. PowerPoint Is Evil. PowerPoint Corrupts Absolutely. http://www.wired.com/wired/archive/11.09/ppt2.html
Claro que este artículo está en inglés. En la página de por Juan C. Dürsteler Infovis el artículo Anatema o bendición, pueden encontrar la traducción, y algunas interesantes cuestiones sobre el uso del PP.

Discos: Malena Muyala.

Escuché en la radio porteña 2x4 a una cantante que me cautivó. Me atrajo particularmente su modo de cantar. Sólo la escuché cantar Garúa en dos oportunidades y me alcanzó para reconocer a una artista excepcional. Convengamos en que el tema de Troilo y Cadícamo contiene interesantes cromatismos y tiene sus riesgos. Y hay que arriesgarse a cantarlo cuando el único acompañamiento es un cello. Lo mismo había hecho Caetano Veloso con "Mano a mano" junto a el talentoso Jaques Morelenbaum, en el álbum "Circulao vivo".
Se llama Malena Muyala y es uruguaya.
Esta lejos, pero muy lejos, de los estereotipos de mujeres cantantes de tango.

Tiene publicados dos CDs: Temas Pendientes (1998) y Puro Verso (2000)
Ver discografía y temas en :http://federicogarcia.net/malena/discografia.htm Si quieren saber más sobre su carrera
http://www.deluruguay.net/interpretes/interprete.asp?idint=140De ella se ha dicho y se dice mucho. Por ejemplo: Todo el arte de Malena reside en las letras, en su manera de pronunciarlas, de inscribirlas en la memoria afectiva de su oyente. Más que expresivo su canto es conmovedor. Un claro ejemplo de esto es su final de Los mareados: final despojado que conmueve por su ausente presencia, "mueve algo en la cadena del significante": por algo decía Edmundo Rivero que "no se canta con el capital sino con los intereses".Nota de Guillermo Anad en: abctango

Desde octubre que trato de conseguir sus discos y están agotados, al menos en nuestro país. Si alguien puede decirme donde conseguirlos le estaré muy agradecido si dejan el comentario. Después de todo ¿para que sirve un weblog si no es para encontrar las cosas que uno está buscando?
Ah! También una muy buena entrevista de Fernando Dadario en Página 12

Real/Virtual. Encuentro de Estética

A través de Luis Sardo, Director del Conservatorio Provincial de Música Julián Aguirre hemos recibido la invitación para participar del Primer Encuentro Iberoamericano de Estética y Teoría de las Artes. Está organizado por el Centro de Estudios Hispánicos e Iberoamericanos de la Fundación Carolina, en colaboración con la Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED).

El proyecto, denominado Real/Virtual, está dirigido por el profesor Simón Marchán Fiz, catedrático de Estética de la Facultad de Filosofía de la Universidad Nacional de Educación a Distancia. Entre los argentinos invitados como panelistas se encuentran Alejandro Piscitelli, Estela Ocampo y Elena Oliveras.


Para más información ir a la página oficial del Encuentro:

El Encuentro constará de dos tipos de intervenciones: en primer lugar las de los profesores invitados de distintas nacionalidades que participarán con conferencias sobre los temas propuestos en los enunciados. Asimismo, en segundo lugar, se admitirán las comunicaciones remitidas por cualquier persona interesada, reservándose la organización del Encuentro la admisión de las mismas. Tanto las ponencias como las comunicaciones serán recogidas en una obra editada con ese motivo. Igualmente se prepara otro volumen que, a modo de directorio, recoja el estado de los estudios de Estética y Teoría de las Artes en las más diversas áreas y centros universitarios del ámbito iberoamericano: facultades de Filosofía, Humanidades, Historia del Arte, Bellas Artes, Arquitectura, conservatorios de música, centros de diseño, otras instituciones académicas y cualquier otro especialista relacionados con los temas abordados.

Tanto las conferencias como las comunicaciones se agruparán en torno a los núcleos temáticos enunciados más abajo.
Quien desee enviar una comunicación deberá remitirla a la secretaría del Encuentro antes del 31 de enero de 2004; con tal fin deberá incluir una copia de la comunicación en papel y una en soporte electrónico, guardado con la extensión de archivo:/ .rtf /. Las comunicaciones tendrán una extensión entre 5 y 10 folios de 30 líneas por 70 espacios; el Comité Científico del Encuentro seleccionará la admisión de las mismas y dicha resolución se comunicará debidamente. La lectura de cada comunicación deberá realizarse exclusivamente por el autor de la misma.
A primera vista lo real y lo virtual traslucen dos modos enfrentados de existencia que, teniendo como telón de fondo el rechazo platónico del arte como imitación, propician en el ámbito de la estética dos concepciones bien distintas de la misma. En efecto, si para unos, como es el caso de M. Heidegger y las llamadas “estéticas de la verdad”, el arte supone un acceso privilegiado al ser y a la verdad, para otros, desde Schiller y Nietzsche a Baudrillard y la estética de la apariencia digital, se reafirma el dominio del arte en el reino de las apariencias y la ilusión, si es que no en el de la simulación. Asimismo, durante los últimos años en las experiencias artísticas más concretas se detecta un llamativo desdoblamiento entre unas artes que levantan acta del retorno de lo real, redescubriendo los múltiples ámbitos de lo político, lo social y lo relacional, y otras que se despliegan en la virtualidad, asumiendo con naturalidad el mediascape (paisaje de los medios) que proporcionan las nuevas tecnologías en el que la referencia y las alusiones a la misma realidad desaparecen en aras del juego aleatorio de los significantes, la permutabilidad de los signos o la textualidad.

Una vez constatados estos desdoblamientos nos asalta una serie de interrogantes tanto en el ámbito de la estética como en el destino de las artes: ¿Se reduce lo virtual únicamente a las mecanismos impuestos por la simulación y la permutación de los signos o es una condición propia del arte que estimula la convivencia entre lo real y lo ficticio? ¿Existen relaciones de connivencia y complicidad entre este mundo de simulacros amnésicos, las prácticas artísticas y los nuevos modos de alienación que importa el capitalismo cultural globalizado? ¿ No tiene que ver el arte con la instauración de un mundo de ilusión y simulacro que se contrapone a la realidad cotidiana sin por ello renegar necesariamente de la misma? ¿Es todo retorno de lo real un decidido compromiso contra la estetización o podemos volver a encontrarnos esa misma estetización revestida ahora con distintos ropajes más o menos espurios (interés etnográfico, interés público, etc.)

He aquí, entre otras muchas cuestiones, algunas sobre las que podrán versar las ponencias y comunicaciones, las cuales, a su vez, podrían ser desglosadas en los siguientes epígrafes :

1.- El universo de la imagen
Asumiendo que el arte ha estado ligado siempre a la producción de imágenes, y que en nuestros días el nuevo museo imaginario no se situaría únicamente en las coordenadas de la historia artística antigua o moderna, sino sobre todo en las que proporcionan las imágenes mass-mediáticas, habrá que dilucidar si estas últimas acogen, potencian o anulan los resultados de la revalorización de la cultura de la imagen popular y las realidades virtuales, así como cuestionarse en qué medida los medios tradicionales se han visto desbordados por la expansión de las artes. Se nos plantean así, entre otros asuntos, las tribulaciones de la diferencia artística frente a la estetización difusa en la explosión e implosión de los signos, la sociedad del espectáculo o el Entertainment.

2.- El retorno de lo real en la época de la globalización
En nuestros días, si bien no pueden ser pasadas por alto las mediaciones del “giro lingüístico”, los artistas parecen estar menos preocupados por el ser de sus lenguajes que por el qué hacer con ellos. Tal vez por eso, sin menoscabo de la lógica interna de su producción, los lenguajes y las técnicas se analizan ahora en función del lugar ambiguo de los sujetos que los experimentan, introduciendo cuestiones claves sobre la interpretación de los lenguajes, la distribución de las obras y su retroalimentación. Tras el auge de las llamadas críticas de la representación, advertimos una proliferación de las políticas de la representación, oscilando entre la representación misma y la acción directa, así como de propuestas que exploran las diferencias de etnia y género, introduciendo cuestiones de multiculturalidad y postcolonialismo o promoviendo el giro etnográfico; en suma, el retorno de lo real.

3.- Amnesia cultural y la destrucción de la memoria.
¿Contribuye el arte realmente a la consolidación de la memoria o más bien a su mixtificación y destrucción ? Se diría que los excedentes culturales y artísticos vertidos en los medios de comunicación o en el espacio público tienden a operar como una máquina destructora de la memoria. Las manifestaciones artísticas y la aceleración de los cambios sobre los que nos informan los medios, con sus autoproclamadas novedades, parecen depender más de necesidades del mercado que de lo que realmente se produce en el fondo del mundo creativo, ocultándose las transformaciones más profundas y reforzando con ello el desconcierto general. ¿La producción de actualidad incorpora armónicamente el pasado o lo reemplaza mecánicamente, fomentando con sus reelaboraciones icónicas el olvido?

Los músicos profesionales tienen el cerebro más desarrollado

Tocar un instrumento desarrolla el oído, la vista y la agilidad física

Un estudio que por primera vez ha comparado los cerebros de tres categorías diferentes de artistas, ha podido determinar que los músicos profesionales tienen más desarrolladas las zonas relacionadas con el oído, la vista y la agilidad física, aunque no por ello son necesariamente más inteligentes. Por Vanessa Marsh.

Me resulta inevitable relacionar este artículo con el de Javier Candeira: La Web como memoria organizada: El Hipocampo colectivo de la red, donde el autor utiliza la metáfora del título para argumentar su tesis de que Internet actúa como un sistema nervioso de orden superior, que interconecta y coordina operaciones en las que la voz de la colmena es más eficiente, más cierta, más afortunada que la voz de cada uno de los individuos. Para Candeira, Internet es el sistema nervioso artificial que nos permite pensar como una comunidad.
La relación surge porque científicos del London University College habían descubierto que los cerebros de los taxistas londinenses tenían el hipocampo más grande que las personas que no conducían taxis por Londres. Obviamente esto relativiza el artículo sobre el desarrollo del cerebro de los músicos....
Aqui pueden encontrar la investigación y este es el link al artículo completo de Candeira.
Por supuesto que no me voy a poner a hacer ahora una comparación entre ambos trabajos, aunque no estaría mal intentarlo en otro momento.
Lo que sigue es el artículo de Vanessa Marsh:
"Los músicos profesionales tienen un cerebro más desarrollado que las demás personas, si bien esa característica no significa que sean más inteligentes, según un estudio realizado en la alemana universidad de Iéna.
El estudio ha analizado por vez primera un análisis comparativo de la estructura completa del cerebro de los músicos profesionales, los aficionados y los profanos de la música.
Utilizando la cada vez más extendida imagen mediante resonancia magnética (IRM), que analiza la anatomía en tres dimensiones, los investigadores descubrieron que tocar un instrumento musical desarrolla el oído, pero también la actividad motora del cerebro debido a la necesidad de traducir rápidamente las notas de la partitura en movimientos de los dedos.
Relación directa
La IRM permitió descubrir que determinadas zonas del cerebro, como las encargadas del oído o de la visión, se desarrollan de una manera singular en los músicos profesionales, haciéndose al mismo tiempo más funcionales. Los investigadores han podido establecer de esta forma una relación directa entre el nivel de práctica musical y el desarrollo de determinadas zonas del cerebro.
La investigación desarrolla algo que ya había sugerido un estudio anterior de la Universidad de Heildelberg: que la región cerebral que regula la actividad del oído estaba más desarrollada en los músicos profesionales que en las demás personas."
El análisis realizado mediante IRM ha confirmado este descubrimiento y llegado más lejos al comparar los cerebros de las tres categorías de artistas, lo que les ha permitido establecer que tocar un instrumento desarrolla no sólo el oído, sino también la vista y la precisión de los movimientos manuales. El estudio ha sido dirigido por el Dr. Christian Gaser, de la Universidad de Friederich Schiller en Iéna, y está publicado en The Journal of Neuroscience.
Vanessa Marsh
2003-11-02 tomado de Tendencias Científicas. Para ver el artículo completo click aquí

Escuchar es mucho más que oír

Escuchar no es lo mismo que oír. Los oídos captan voces, ideas, razonamientos, el contenido de una idea, la lógica de un argumento. Escuchar, en cambio, implica utilizar oídos, ojos y corazón para detectar intención, emoción y sentimientos del hablante.

Una auténtica actitud de escucha estimula la comunicación. El objetivo final del auténtico escuchar es comprender y ver el mundo tal como lo ve y lo comprende la persona que habla. Prejuzgar - que es juzgar por adelantado- evita el riesgo de tener que aceptar algún nuevo hecho o idea que implique cambiar de opinión. Escuchar, en cambio, significa aceptar a las personas tal como piensan y son, y darse cuenta de que cada uno es un mundo único que es preciso entrever para entenderse. Y muy importante para escuchar con propiedad es admitir que los demás también piensan que tienen razón.
Se trata de encontrar aquellas "razones del corazón que la razón no entiende". La razón parece ser el bien supremo. Pero en las relaciones interpersonales el lenguaje de los sentimientos es mucho más poderoso y motivador que el de la lógica. No obstante este lenguaje no puede hablarse de manera creativa e inspiradora si primero no somos capaces de percibir lo que "emite" el alma humana: la de los demás... y también la nuestra.
Escuchar supone callarse. Un callarse que va más allá del no decir nada, porque implica estar atento con todo nuestro ser. Es una actitud en la que se aprehende al "otro" en su totalidad... Un estado en que se reciben las palabras y lo que éstas no expresan, en que se capta lo que se dice y la realidad profunda de la otra persona... ese mundo único que cada uno somos. Una auténtica actitud de escucha estimula la comunicación. Cuando se nos escucha auténticamente, tenemos tendencia a expresar más cosas y con mayor profundidad y riqueza de detalles, que si se nos oye superficialmente. Es el premio que nos sentimos inclinados a otorgar a quien nos presta esmerada
atención.
No es raro que el fundamento de la buena convivencia sea una gran disposición para escuchar. El auténtico escuchar es lo más opuesto al rechazo de lo ajeno, ya que su objetivo final es comprender y ver el mundo como lo ven otras personas. Se puede desarrollar la capacidad de escuchar.. Para aprender a escuchar.
El proceso de la auténtica y genuina escucha a otra persona se apoya en una elevada autoestima, que es el soporte de nuestra seguridad interior. La razón primera por la que la mayoría de nosotros no escuchamos con profundidad a los demás, es que tenemos miedo a ser influidos por ellos. Ser influidos supone que se opere un cambio en nosotros; y los cambios - lo reconozcamos o no - suelen atemorizarnos. Porque cambiar significa ir más allá de nuestras pequeñas y confortables rutinas diarias, hacia nuevos lugares donde tememos encontrar incertidumbres y zozobras. Además, aquello que hacemos de manera automática no requiere pensar, mientras que lo nuevo tal vez precise de este esfuerzo. Afrontar un cambio genera tensión, e instintivamente huimos de toda clase de tensiones. Para poder entregarse a escuchar a otras personas sobre cuestiones que nos importan, y aceptar el hecho de que puede ser que nos veamos obligados a cambiar nuestra manera de verlas, hay que tener un sólido conjunto de principios y valores arraigado en nuestro corazón, formando el núcleo de nuestra personalidad. Este núcleo que configura nuestro yo individual, es el que nos capacita para ser productivos como personas y como profesionales. La autoestima que nos otorga nuestra productividad es inviolable porque nos pertenece intrínsecamente, y constituye nuestra identidad no importa lo que digan los demás. Un fuerte sentido de la propia identidad permite aceptar el cambio, porque no pone en peligro al "yo". Por otra parte, ser capaz de cambiar es una habilidad que hay que cultivar. Quienes lo hacen, tratan de habituarse a dejar lo viejo concentrándose en el potencial que encierra lo nuevo, que contemplan como otro hito en su camino de crecimiento personal. Se preguntan, aun en la peor de las situaciones: ¿Cómo transformar este peligro en oportunidad? William Shakespeare escribió: "Los hombres sabios no se entretienen jamás en deplorar sus pérdidas, sino que buscan con vigor alegre reparar los golpes de la mala fortuna". Es frecuente que se prefiera el prejuicio fácil con respecto a los acontecimientos y a las personas, a la valentía y la paciencia que requiere el verdadero escuchar. Prejuzgar - que es juzgar por adelantado - evita el riesgo de tener que aceptar algún nuevo hecho o idea que implique cambiar de opinión. Es más sencillo y cómodo dejarlo todo como está; pero el precio que se paga por ello es vivir en la mentira.
El aprendizaje de la facultad de escuchar requiere pues no solamente acostumbrarse a adoptar una actitud de escucha, sino también a reforzar nuestra seguridad interior mediante el cultivo de nuestra propia persona. Afrontar la posibilidad de cambiar resulta así menos amenazante. Escuchar es
fácil para quien vive su vida personal y profesional con profundidad y acierto en sus facetas esenciales. Casi diríamos que para tal persona, el bien escuchar al prójimo es una consecuencia natural. Escuchar, en definitiva, no es tanto una cuestión de inteligencia como de confiar en las otras personas. Significa aceptarlas tal como piensan y son, y darse cuenta de que cada uno es un mundo único que es preciso entrever para entenderse. Y muy importante para escuchar con propiedad es admitir que los demás también piensan que tienen razón.
Tomado de "Las 12 habilidades directivas clave" Antonio Valls
Editorial Coyuntura S.A.